VERANO RETRO

100% FERIA ARTESANAL Y DEL DISEÑO - NO TE LA PODES PERDER

2012-01-28T14:16:00.003-03:00

MARÍA FERNANDA NOS INVITA EL DÍA 4 DE FEBRERO A SER PARTE DE LA FERIA ARTESANAL Y DEL DISEÑO QUE TE SORPRENDERÁ!!!!
4 DE FEBRERO EN DEL VALLE IBERLUCEA 3285 EN LANUS DE 16.30 A 20.30!!!!
LANÚS TE ESPERA!!! SUMATE!!! DISFRUTÁ DE LOS STANDS!!! CADA UNO DE ELLOS ESTÁN PENSADOS PARA VOS!!
SUMATEEEEEEEE!!!! A PARTIR DE LAS 16:30 Y HASTA LAS 20:30 HS - 4 DE FEBRERO – DEL VALLE IBERLUCENA 3285, LANÚS.
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LA FERIA ESTÁ LISTA!! SÓLO FALTÁS VOS!!!!
CIENTO POR CIENTO ARTESANIA Y DISEÑO – NO HAY REVENTA DE PRODUCTOS!!

JORGE BARREIRO

2012-01-12T09:23:00.000-03:00

Nombre real Jorge Luis Barreiro
Nacimiento Buenos Aires, Argentina
... 14 de marzo de 1930
Fallecimiento Buenos Aires, Argentina
24 de marzo de 2009 (edad: 79 años)
fue un actor argentino de extensa trayectoria en teatro, cine y televisión.
Biografía
Nacido en el barrio porteño de Parque Chacabuco el 14 de marzo de 1930 y de orígenes humildes, Jorge Barreiro demostró inclinación por la actuación desde muy corta edad. Realizó estudios con Juan Francisco Giacobbe y Hedy Crilla.

Su debut teatral se produce en 1962 cuando debe reemplazar a Guillermo Hebling en la obra Las de Barranco, de Gregorio de Laferrère. Luego integra los elencos de Don Gil de las calzas verdes, obra de Tirso de Molina y La luz ajena, de Alberto de Zavalía.

En 1963 hace su primera aparición en cine, en el film inédito Lucía, de Martín Clutet que le abriría camino a la televisión, a través de la guionista Nené Cascallar, quien en 1965 le posibilita un rápido ascenso al estrellato televisivo en Cuatro hombres para Eva, telenovela en la que interpreta ya un papel protagónico, junto a Rodolfo Bebán, José María Langlais y Eduardo Rudy y en El amor tiene cara de mujer.

La pantalla chica contó también con él en el "Show Standar Electric", "Sin palabras", "La historia de Celia Pirán", "Rolando Rivas, taxista", "Papá corazón", "Ese hombre prohibido", "Una promesa para todos", "Novia de vacaciones" y "Stefanía". También actuó en "El oriental" (1982), junto a Alberto de Mendoza; "Señorita maestra", "No es un juego vivir", "Dos para una mentira", "La viuda blanca", "Amándote", "Esos que dicen amarse" y "Zíngara" (2000), su última intervención.

En el cine también se desempeñó en varias películas como "Con gusto a rabia" (1965), "Hotel alojamiento" (1966), "Cuando los hombres hablan de mujeres" (1967), "¡Esto es alegría!" (1967), "Matrimonio a la argentina" (1968), "Psexoanálisis" (1968) y "En una playa junto al mar (1971).

Actor versátil, ocupó tanto la comedia como el drama en el cine, en títulos que abarcan "Estoy hecho un demonio" (1972), "Siempre fuimos compañeros" (1973), "Los gauchos judíos (1974), "La mamá de la novia" (1978), "Comandos azules" (1979), "Una viuda descocada" (1980), "Los hijos de López" (1980), "Ritmo a todo color" (1980) y "Delito de corrupción" (1991).

También el teatro lo contó entre sus filas. Allí actuó junto a su gran amiga Libertad Leblanc en "Donde duermen dos, duermen tres", y cumplió giras por todo el país junto a figuras como Osvaldo Pacheco, Arnaldo André, María de los Angeles Medrano y María Concepción César.

EL SANTO

2012-01-04T17:21:00.000-03:00

Serie de TV (1962-1969). Simon Templar es un hombre rico, apuesto, sofisticado y culto que decide transformarse en un Robin Hood moderno y luchar sin tregua en favor de los débiles; aunque, a veces, para hacer triunfar la justicia tiene que emplear métodos poco ortodoxos que ponen en dificultades a la policía. Su tarjeta de visita, una especie de monigote con una aureola, pronto se convierte en un símbolo reconocido no sólo por la policía sino por toda la sociedad.
REPARTO:
Roger Moore, Ivor Dean, Leslie Crawford, Justine Lord, Ricardo Montez, Suzanne Lloyd, David Bauer, Larry Taylor, Annette Andre, Arnold Diamond
GUION:
Leslie Charteris, Harry W. Junkin, John Kruse, Terry Nation, Michael Cramoy, Leigh Vance, Norman Borisoff, John Graeme, Norman Hudis, Roger Moore

MÚSICA:

Edwin Astley

FOTOGRAFÍA:

Lionel Banes, Michael Reed, Paul Beeson

BARRY WHITE

2011-02-21T12:42:00.000-03:00

La forma de cantar de Barry White no era quizás el prototipo del soul, como la de Al Green, o tan seductor como Marvi Gaye, o chocante como Prince, pero indudablemente era la persona a la que todo el mundo recurría cuando se trataba de crear una atmósfera sensual.

Barry White nació en Galveston, Texas, Estados Unidos en 12 de setiembre de 1944 bajo el nombre de Barry Eugene Carter. Creció en Los Ángeles en el seno de una familia pobre. Sin embargo, desde muy niño entró al mundo de la música cuando entró a una fraternidad en la que tocaba el piano y antaba en el coro de la iglesia. Rápidamente fue promovido a Director del coro.

Su primer trabajo importante fue a los 11 años cuando estuvo en las teclas de "Goodnight My Love" de Jesse Belvin. En 1990 le comentó a una revista que su voz profunda apareció de repente cuando era adolescente. "Nos asustó a mi y a mi madre cuando hablé esa mañana. Fue completamente inesperado. Mi pecho tembló. Quiero decir vibró. Mi madre sólo me miraba, estaba sombrada. Lo próximo que supe fue cuando su cara de asombro se transformó en una gran sonrisa. Las lágrimas le corrían por la cara y me dijo: 'Mi hijo es un hombre'".

A los 16 años fue arrestado por robar llantas y dice que esa experiencia le cambió la vida y a enfocarse en lo que realmente quería. Inspirado por "It's Now or Never" de Elvis Presley decidió unirse a los "Upfronts" y luego pasó a la producción de artistas.

Durante los años sesenta grabó varios discos bajo su nombre real y como integrante de los "Upfronts", los "Atlantics" y los "Majestics". Sin embargo, su mayor éxito vino como productor de artistas como Felice Taylor y Viola Wills.

En 1969 formó "Love Unlimited" un trío vocal femenino en el que estaban Diane Taylor, la que sería su esposa Goldean James y su hermana Linda. También armó la orquesta de 40 piezas del mismo nombre que serviría de compañía para él y su trío. El conducía, componía y arreglaba para esta gigantesca estructura.

En 1972, Love Unlimited conoció el éxito con "Walkin' In The Rain With The One I Love", un tema en el que White hablaba sensualmente al teléfono. Este vento relanzó su carrera y facilitó que canciones como "I'm Gonna Love You Just A Little More Baby", "Never, Never Gonna Give Ya Up" (1973), "Can't Get Enough Of Your Love, Babe" y "You're The First, The Last, My Everything" (1974) llegaran a los primeros lugares de las listas en Estados Unidos y en Inglaterra.

En el momento en que nacía el disco Barry White se desarrollaba como artista influyendo decisivamente en la escena musical de finales de los 70. Su estilo es comparable al impacto de Phil Spector en la construcción de muros musicales, porque su mezcla entre el soul y el pop cargado de orquestas de respaldo es un sello muy personal. Las letras de sus canciones eran atemporales y directas, cubiertas por una voz suave de barítono que cargaba las palabras de sensualidad. Hasta hay quienes se atreven a decir que no hay un artista que no haya ayudado a concebir tantos bebés como él.

Su último gran éxito fue en 1977 cuando "It's Ecstasy When You Lay Down Next To Me" llegó a las 5 primeras en los Estados Unidos. Al año siguiente regrabó "Just The Way You Are" de Billy Joel y la convirtió en un éxito en Inglaterra.

Luego se dedicó a grabar con su esposa, Goldean White, pero no logró mayores éxitos hasta 1987 cuando "Sho' You Right" entró al Top 20 inglés.
A pesar de un aparente declinar nadie puede negar los 106 discos de oro y 46 de platino que la voz de seda consiguió moviendo almas. Quizás por eso sus canciones no paraban de sonar en Ally McBeal.
Barry White murió el 4 de julio de 2003 a las 9 de la mañana a los 58 años producto de problemas renales.

Barry White - Can't Get Enough Of Your Love Baby.

Barry White Love´s Theme

Barry White - Just the way you are

Discografía

Álbumes de estudio

I've Got So Much To Give (1973)
Stone Gon' (1973)
Can't get enough (1974)
Just Another Way To Say I Love You (1975)
Let the Music Play (1976)
Is This Whatcha Want? (1976)
Barry White Sings For Someone You Love (1977)
The Man (1978)
I Love To Sing The Songs I Sing (1979)
The Message Is Love (1979)
Sheet Music (1980)
Barry & Glodean (grabado con su esposa Glodean, 1981)
Beware! (1981)
Change (1982)
Dedicated (1983)
The Right Night & Barry White (1987)
The Man Is Back! (1989)
Put Me In Your Mix (1991)
The Icon Is Love (1994)
Staying Power (1999)

Recopilaciones

Barry White's Greatest Hits (1975)
Barry White's Greatest Hits 2 (1981)
The Collection (1988)
Just For You (4 CD) (1992)
All Time Greatest Hits (1994)
Your Heart and Soul: The Love Album (2000)
The Ultimate Collection (2000)
The Best of Barry White (2003)
White Gold: The Very Best of Barry White (2005)
Unlimited (4 CD + 1 DVD) (2009)

Singles a dúo

The Secret Garden (junto a Quincy Jones, 1990)
All of Me (junto a Big Daddy Kane, 1990)
Dark and Lovely (junto a Isaac Hayes, 1992)
All Around The World (junto a Lisa Stansfield, 1992)
At the End of the Day (junto a Quincy Jones, 1995)
Slow Jams (junto a Babyface, Quincy Jones y SWV, 1996)
Wildest Dreams (junto a Tina Turner, 1996)
My Everything (junto a Faith Evans, 1997)
Basketball Jones (junto a Chris Rock, 1996)
You're the First, the Last, my Everything (junto a Luciano Pavarotti, 1998)

El Supertobogan o La Alfombra Mágica

2010-12-12T02:06:00.000-03:00

Quizas algunos recuerden tambien otro juego muy de moda a fines de los años 60 y que perduro toda la decada siguiente: El Supertobogan o tambien llamado la Alfombra Magica.
Era un tobogan de superficie ondulada de gran altura, que para deslizarse por él te daban una alfombra de arpillera.

El tema es que para no salirse de la alfombra la agarrabamos bien fuerte con las manos, pero estas iban durante todo el trayecto rozando contra el piso que era de chapa y al llegar abajo nos quedaban los nudillos llenos de ampollas y raspones por la fricción.
Con el tiempo las prohibieron por que algunos locos se tiraban parados sobre la alfombra, esta se trababa un poco y salian despedidos rodando librementa hasta abajo con alguna quebradura.

LUGARES - Mau Mau... la Reina de las Boites

2010-12-12T02:00:00.000-03:00

Esta es la historia del Boliche mas "IN" de Buenos Aires, el que reunía al "Jet Set" , a los "Play Boys" y las chicas mas "Monas" de la noche.
El segundo hogar de Isidoro Cañones, y la fabulosa "Cachorra"
Con ustedes .... mau-mau !!!

Estaba emplazado en Arroyo 866 , barrio de la Recoleta, pleno codo elegante de la ciudad de Buenos Aires. Abrió sus puertas el 28 de abril de 1964 y cerró tres décadas más tarde, en 1994.
“Una parte de la noche se fue con Mau Mau” , tituló entonces La Nación. No exageraba. La boite marcó varias épocas en la noche porteña.
Los creadores fueron los hermanos Jose y Alberto Lata Liste, acompañados por un socio llamado Federico Fernández Bobadilla .
Abría de lunes a sábados, normalmente con entradas sin cargo, desde las 23:30hs hasta las 4:30hs.
No se admitían solos ni solas, excepto los más conocidos.
El local tenía un estilo que las diferenciaba claramente de la competencia: por lo pronto eliminó las mesas altas con veladores y taburetes en favor de cómodos sillones y mesas bajas, inaugurando así la “boite living” .
Musicales Nacional e Internacionales se presentaban frecuentemente:

Lugar elegido por cierta elite, uno de los más grandes obstáculos a sortear fue uno de los porteros, Julio Fraga , más conocido como “El insobornable” .
Franquear a “Fraguita” no era cosa sencilla. Para entrar había que ser mayor de edad, ir de riguroso saco y corbata (los caballeros) o de largo (las damas).
Los baños eran impecables, había un maitre (“El Tano” Fabrizzi) que acompañaba a la gente a sus mesas y los camareros nunca entraban en confianza con los clientes.
Por no respetar la rigurosa disposición sobre indumentaria, una noche se quedó afuera Guillermo Vilas (asistió en zapatillas) y otra el cantante Johnny Hallyday , quien debió volver a su hotel para cambiarse e intentar en segunda vuelta.
Vilas saliendo del boliche:

Otro rasgo distintivo era la música, que los dueños compraban en París, Roma o Nueva York.
La particularidad de Mau Mau durante sus años de esplendor fue la visita de estrellas internacionales.
La lista es larga y va desde actrices consagradas como Geraldine Chaplin, Antonio Gades, Charles Aznavour, Alain Delon, el torero Dominguín o Linda Cristal hasta el mismísimo Rudolf Nureyev, quien bailó tango y flamenco en la pista de Mau Mau .
El parnaso local también la frecuentaba, desde Graciela Borges y Juan Manuel Bordeu, a múltiples personajes con apellidos como Blaquier, Alzaga y Menditeguy.
Aca Cristina Onasis en la puerta del Boliche

Cierta vez la AMA (Asociación de Modelos Argentinas) hizo su desfile anual y Chunchuna Villafañe, Claudia Sánchez, Kooka, Liliana Caldini y Mora Furtado prestaron cuerpos y caras para la ocasión. Una desconocida Susana Giménez fue invitada casi por obligación (eran los días en que el “¡Shock!” de su aviso de Cadum enloquecía a los varones argentinos) y vistió un escote en la espalda, que según Lata Liste “se pasaba de la raya” (sic), y que causó revuelo e indignación entre las modelos.
"Disc jockeys" y barmen :
Exequiel Lanús fue el primero en poner discos.
Hugo di Domenico, sólo comparable con el Negro Cortés o Manolete, servía tragos.
El Tano Fabrizzi era un maitre inigualable

En 1964, los mellizos José y Alberto Lata Liste inauguraron Mau Mau. “Nuestra idea fue hacer un lugar diferente. Esto se lo explicamos a Juanjo Saavedra y él nos dijo: A la naturaleza no hay que copiarla, hay que inspirarse en ella. Y esta boite debe ser algo majestuoso, impactante y original.” La decoración elegida fue de estilo africano, con pieles de cebra y cabezas de animales embalsamados en las paredes. Rara manera escenográfica de referirse al movimiento guerrillero de liberación negra en Kenia que inspiró el nombre. Desprovisto de su impronta política, en Buenos Aires se transformó en sinónimo de movimiento de caderas al ritmo de la música de Fred Bongusto que pasaban los DJs Exequiel Lanús, Horacio Martelli y “el alemán” Franz.

Ni el fuego, desencadenado por un cortocircuito a los cinco meses de estar funcionando, pudo con ella: a los exactos cincuenta y ocho días volvió a abrir con el glam de siempre. Durante el incendio se encontraban en el lugar Willie Divito, el creador de Rico Tipo (y dueño de otro local nocturno llamado Zun Zun), Poqui Evans (propietario de Africa, la boite del Hotel Alvear y de Reviens), cosa que llevó a Divito a decir que él había llevado los fósforos, Poqui el kerosene y “Monsieur Reviens” había encendido el fuego.

“A los argentinos les gusta que el maître los llame por su nombre y que el portero los reconozca. Una vez paramos a un tipo en la puerta porque estaba mal vestido y reaccionó poniéndome una pistola en la cabeza. Si quiere tirar, tire, ¡pero usted no entra!, le dije”,
JOSÉ LATA LISTE
Historia de la noche El invento Mau Mau fue concebido por los hermanos Lata Liste y Federico Fernández Bobadilla como manera de redefinir las boites de la época, como el Sans Souci y el Embassy de Olivos. Los primeros atisbos de esta renovación se vieron en Reviens, en cuyo local se abandonó la orquesta en vivo y se comenzó a pasar discos (acompañándolos con tumbadoras para resaltar el ritmo). Mau Mau fue más lejos: eliminó las mesas altas con veladores y taburetes en favor de cómodos sillones y mesas bajas, inaugurando así la “boite living”. Recuerda Lata Liste: “Gastamos 20 millones de pesos para simular el living de un millonario en el que, noche a noche, se daban refinadas fiestas. Hay que pensar que, hasta entonces, las boites argentinas sólo tenían capacidad para 120 personas, y de ahí su nombre: boite quiere decir cajita. No todos pudieron adaptarse al cambio y, cuando Mau Mau abrió con una capacidad para 400 personas, generó el mismo efecto que tendría en los 80 la irrupción de la discoteca masiva, con Studio 54”.

Cuando los padres de Lata Liste se enteraron de lo que pensaban hacer sus mellizos pusieron el grito en el cielo. En esa época la palabra boite tenía connotaciones negativas: el negocio de noche no estaba bien visto y los Lata Liste se propusieron cambiar esa imagen: no más sótanos baratos y mal iluminados, sino un coqueto local en la calle Arroyo. En lugar de poner un patovica en la entrada, optaron por un riguroso sistema de entrada atendido por un profesional que recordaba los nombres de todos los habitués. Para entrar había que ser mayor de edad, ir de riguroso saco y corbata (los caballeros) o de largo (las damas). Los baños eran impecables, había un maître (el Tano Fabrizzi) que acompañaba a la gente a sus mesas y los camareros nunca entraban en confianza con los clientes. De la noche a la mañana, la “boite exclusiva” desplazó a “la boite tabú” y exigió ser reconocida como un espacio único y mítico desde su misma concepción.

“Nosotros estábamos todas las noches al pie del cañón. De más está decir que jamás bailamos o bebimos en Mau Mau. Eramos los últimos en irnos, después de hacer la caja y dejar todo listo para el día siguiente.” La oficina funcionaba en el mismo local y, según recuerda Lata Liste, fue sede de muchísimos acuerdos que se gestaban en las mesas que rodeaban la pista de baile.

Yo solo quiero ser del jet-set La particularidad de Mau Mau durante sus años de esplendor fue la visita de estrellas internacionales. La lista es larga y va desde actrices consagradas como Geraldine Chaplin, Antonio Gades, Charles Aznavour, Alain Delon, el torero Dominguín o Linda Cristal (la argentina que actuaba en “El gran chaparral”) hasta el mismísimo Rudolf Nureyev, quien bailó tango y flamenco en la pista de Mau Mau. El parnaso local también frecuentaba la boite, desde Graciela Borges y Juan Manuel Bourdeu, a múltiples Blaquier, Alzaga y Menditeguy. Era el obligado punto de encuentro de conocidos y no tanto de esa época. Recuerda una asidua concurrente: “Mau Mau era como el living de nuestra casa, allí nos encontrábamos de lunes a sábados, con descanso dominical. Era muy raro que las mujeres fueran solas: o te invitaba alguien o ibas con tu novio o marido”. Coincide el Gato Dumas: “Llegabas y tenías tu mesa, la ubicación dependía de quién eras”.

Entrar a Mau Mau era “lo más” y por eso no todos entraban. De esto se encargaba Fraga, el portero, más conocido como El Insobornable. Hay cientos de anécdotas sobre este cancerbero nocturno. “le entrada, yo mismo trabajé de portero al lado de Fraga, enseñándole a reconocer a la gente, a saber quién es quién y a regular el derecho de admisión. A los argentinos les gusta que el maître los llame por su nombre. Una vez paramos a un tipo en la puerta porque estaba mal vestido y reaccionó poniéndome una pistola en la cabeza. Si quiere tirar, tire, ¡pero usted no entra!, le dije. Mientras tanto, nuestro encargado de seguridad, que había sido jefe de la custodia de Onganía, fue sigilosamente por atrás y detuvo al loco”, recuerda Lata Liste. Con maestros así, resulta fácil imaginar a Fraga despachando a Vilas por portación de zapatillas o a Johnny Halliday y Sylvie Vartan porque él no usaba saco y ella era muy ordinaria (tal como cuenta la leyenda).

Si bien el trato era respetuoso, la mayoría recuerda a Fraga haciendo gala de su apodo: nadie traspasó esa puerta sin su aprobación. Generaciones de argentinos fueron reconocidos por el portero de Mau Mau: “Mandále saludos a tu padre. Hace tiempo que no lo veo por acá”. Eran los tiempos en que Federico Peralta Ramos sentenciaba, acodado en la barra: “Yo no trabajo porque cobro sueldo de hijo”. El mecanismo de notoriedad de Mau Mau era de doble sentido: no sólo había miríadas de estrellas que visitaban el lugar sino que muchas comenzaron a hacerse famosas por la onda expansiva que generaba la boite. ¿Cuáles eran los requisitos para “pertenecer”? Al poco de tiempo de abrir se institucionalizó el sistema de Vips. Primero con invitaciones, después (a partir de 1966) con la introducción de la primera tarjeta interclubes para poder entrar a las disco más famosas del mundo: Jimmy’s en París, Le Bateau en Río, Annabelle’s en Londres, La Boite en Madrid y, por supuesto, Mau Mau en Buenos Aires (en 1970 Lata Liste fue más lejos: desembarcó en España para abrir dos nuevas sedes de Mau Mau, una en Madrid y otra en Marbella).

Pero así como no todos entraban, algunos que no se sentían particularmente orgullosos de hacerlo: en 1965, Fernando Noy se encontró a una vigorosa y virulenta Violeta Parra en El Moderno (el bar que cerraba la cuadratura de la llamada “manzana loca”, cuyos otros vértices eran el Di Tella, el Florida Garden y la Facultad de Letras de la calle Viamonte), despotricando contra sus anfitriones porteños por haberla llevado a Mau Mau: “¡Qué se creen esos ensoberbecidos! ¿Que porque tiene nombre con ruido a tambores me iba a gustar?”.

En 1965, Violeta Parra entró en el bar El Moderno despotricando contra sus anfitriones porteños por haberla llevado a Mau Mau: “¡Qué se creen esos ensoberbecidos! ¿Porque tiene nombre con ruido a tambores me iba a gustar?”.
Costumbres argentinas Los años 70 pusieron en jaque la estética del segundo hogar de Isidoro Cañones. El blue jean y los pantalones oxford con zapatos de plataforma entraron por la puerta de Arroyo dejando atrás los vestidos largos y las corbatas sobrias. La decoración también cambió: el arquitecto Juan José Saavedra tiñó paredes y pisos de bordeaux y negro. En esos años, Mau Mau se volvió una pasarela gigante donde desfilaban las modelos más importantes. Emilio Pucci presentó allí su colección de temporada. La AMA (Asociación de Modelos Argentinas) hizo su desfile anual y Chunchuna Villafañe, Claudia Sánchez, Kooka, Liliana Caldini y Mora Furtado prestaron cuerpos y caras para la ocasión. Susana Giménez fue invitada casi por obligación (eran los días en que el ¡Shock! de su aviso de Cadum enloquecía a los machos argentinos) y vistió un escote en la espalda, que según Lata Liste “se pasaba de la raya” (sic), y que causó revuelo e indignación entre las modelos.

Infaltables en esa década, los militares también se juntaban en Mau Mau: Lanusse, López Aufranc, Sánchez Bustamante y Pistarini se dieron una vez cita en el lugar y las revistas bautizaron la velada “la noche de los generales”. Para Lanusse no era la primera vez: en una oportunidad el disc-jockey quiso “homenajearlo” y puso el Himno Nacional en la versión de Billy Bond, y el furioso comandante en jefe se apersonó en la cabina para poner las cosas en su sitio.

La combinación entre el show-business y la boite produjo suculentos dividendos: los contratos de artistas extranjeros para actuar en teatros de la calle Corrientes incluían una presentación “exclusiva” en Mau Mau. “Así es como nos dimos el gusto de tener a Antonio Gades, Roberto Carlos, Wilson Simonal, Fred Bongusto, Elis Regina, Ornella Vanoni y Jorge Ben. El público de Mau Mau sabía que el éxito del momento iba a estar en la boite.” Además, editaron más de veinte LPs (los compilados de Música de alto vuelo, con la música que se escuchaba en Mau Mau, los primeros discos de Armando Manzanero y uno de Roberto Carlos, por mencionar algunos).

La decoración de Mau Mau serviría como paradigma de la esquizofrenia estética de los 70: poco después, el bordeaux y el negro fueron reemplazados por bronce, espejos ahumados y múltiples helechos, luego de que Lata Liste, en un gesto definitivo, sacara su encendedor Dupont de oro y carey de su bolsillo y bramara: “Quiero que Mau Mau sea esto”. Con uno u otro look, Mau Mau seguía siendo el templo de la noche, apelando a una fórmula sencilla: una combinación de lo avant-garde y lo demodé con la dosis justa de snobismo. Con el tiempo se transformaría en el referente histórico obligado de los nuevos dueños del ruido. Todos ellos le reconocen la paternidad a Lata Liste. “Los que nos movemos en la noche con profesionalismo, básicamente imitamos lo que hizo José”, dice Peti Peltenburg, dueño de la extinta El Cielo, del Buenos Aires News y del boliche KU en Pinamar. Aunque las diferencias están a la vista: a la distancia, el horario de Mau Mau parece vespertino y sólo pondría contento al gobernador de Buenos Aires. “Llegábamos a las once y a las cuatro terminaba” recuerda Graciela Vaccari. Y, en tren de comparar, dice que iban a bailar pero también a charlar, y no tanto a mirar o hacerse ver, así como mira con nostalgia las variaciones en el código Vip: de Cristina Onassis y Ringo Bonavena (quien se ganó su lugar en Mau Mau cantando “Pío, Pío” con el trío Suchera’s) a Pancho Dotto, Guillermo Coppola, Liz Fassi Lavalle, Roberto Giordano y Manuel Antelo.

Fin de fiesta El cambio de década trajo consigo el comienzo de la decadencia. La boite de los 70 intentaba no perder identidad en su mutación a discotheque de los 80. Ya no estaba Fraga en la puerta para controlar la vestimenta adecuada, pero había dejado su cetro en manos de “el negro Freddy”, como lo llamaban todos (otras disco adoptarían después la idea del portero negro como símbolo; New York City, entre otras). La última gran fiesta de Mau Mau fue para el aniversario N-o 25, en 1988. Lata Liste puso en funcionamiento su máquina de relaciones públicas e invitó a todo el mundo (dicho literalmente): desde realeza europea y sus aledaños en versión revista Hola, hasta figuras del mundo del espectáculo internacional (Marisa Berenson, Philippe Junot, la princesa de Baviera, Margaux Hemingway, etc.). Poco después, el implacable Freddy tuvo que dar explicaciones sobre cuarenta gramos de cocaína que guardaba prolijamente en su esmóquin y perdió su puesto. Vale recordar que la bomba en la Embajada de Israel, entre sus menos importantes consecuencias, mantuvo cerrada la calle Arroyo durante seis meses. Mau Mau agonizaba y ése fue el tiro de gracia: la movida nocturna se desplazó definitivamente y los matrimonios y parejas que frecuentaban los sillones de la boite en otras épocas fueron reemplazados por “señoritas” ronroneantes y caballeros solitarios. Desde 1994, la puerta de Mau Mau está cerrada con candado y cadena, y el gris gastado de la pared que supo ser blanca se refleja en los vidrios del palier del edificio de enfrente. Un espejo donde mirar el futuro que pronostica el cartel de la constructora e inmobiliaria que derribará en pocos días el templo de la noche: “Estamos vendiendo”.

El Tranvia en Buenos Aires Y La Plata

2010-12-12T01:52:00.000-03:00

En la Ciudad de Buenos Aires por decreto de octubre de 1961, se decide la eliminación de los tranvías
La fecha del último servicio se estableció para el 26 de diciembre de 1962 , día en que se hizo un tibio homenaje de despedida por parte de los comerciantes del barrio de Belgrano.
Sin embargo, algunas líneas tuvieron que esperar que arribaran los automotores que las reemplazarían. Los últimos (líneas 20 y 38) rodaron el domingo 19 de febrero de 1963 .
Esta era la esquina de Boedo y Carlos Calvo cuando rodaba el tranvía....

Esta es la zona del Teatro Colón donde hasta hace poco todavía estaban tendidos las vias de esta línea de tranvía:

Sin embargo en los alrededores de la Ciudad de Buenos Aires el tranvía siguió por algún tiempo mas.
En Lanús se extendió el servicio hasta finales de 1964 con dos líneas que eran locales (52 y 53), dado que aún no se habían pavimentado las calles y el tranvía era el único medio que podía transitar en forma permanente por el lugar. Hacia fines de diciembre de 1966 circuló en La Plata el que, parecía, sería el último tranvía urbano del país, mientras que en 1974 se reemplazaron los tranvías interurbanos del Ferrocarril Urquiza por trenes eléctricos.
Este es uno de los últimos tranvias

Tranvías de La Plata

SERIES - RIN - TIN - TIN

2010-12-12T01:39:00.000-03:00

País: EE.UU.
Episodios: 164
Año: 1954 - 1959
Género: Western

REPARTO
Sargento Biff O'hara: Joseph Sawyer
Cabo Rusty: Lee AAker
Cabo Boone: Rand Brooks
Teniente Ripley Masters: Jim L. Brown
Y, por supuesto: ¡Rin-Tin-Tín!

Si existe una serie pionera y extremadamente popular en la historia de la televisión mundial, ésta tiene nombre de perro.
"RIN-TIN-TÍN", era un inteligente pastor alemán, mascota del regimiento 101 de la caballería de EE.UU., y fiel compañero del cabo Rusty, un niño que fue rescatado cómo único superviviente del ataque indio a un ferrocarril que transportaba a los pioneros del Oeste americano.

Rusty, que tocaba la corneta, es tutelado por el sargento Biff O'hara, y viven en Fort Apache, donde la valentía y astucia del can a sus
amigos a salir victoriosos de peligrosas misiones contra Apaches, forajidos, y otros difíciles enemigos.

Se produjo para la cadena ABC, emitiéndose de 1954 a 1959, a través de 164 episodios, aunque se ha repuesto en alguna ocasión, años más tarde. Fue una auténtica serie de cabecera para los niños de aquellos tiempos, editándose multitud de libros, cómics, y álbumes de cromos con las aventuras del famoso perrito.

LOS SEA MONKEYS

2010-12-12T01:28:00.000-03:00

LLEGARON LOS SEA MONKEYS !!!! decian las publicidades de la época.
Que es eso??, Donde se venden???, quiero criar "Simonkis" !!! les deciamos a nuestros viejos que nos miraban como si estuviesemos locos...
Para los que no lo recuerdan o eran muy chicos, los Sea Monkeys se trataban de unos sobrecitos perfectamente cerrados y numerados que venian en un blister, y una vez abiertos y colocado su contenido como talco o arenita en una pecera, al poco tiempo ibamos a ver como desde adentro de un caparazón salian y crecian una especie de criaturas marinas TERRORIFICAS !!!! con tres ojos y cola de mono !!! ibamos a ver como tenian crias, peleaban entre si, corrian carreras etc etc etc

La cuestion que era todo una gran mentira, una estafa, a lo sumo y con mucha suerte veias unos puntitos negros mas chicos que la punta de un alfiler que se movian un rato y despues se iban a pique, y entonces empezaron a correr miles de teorias de como hacer para que crezcan fuertes y grandes y que no se mueran rapido, habia que darles cada tanto un poco de "plasma" , se suponia que uno de los sobres traia el bendito plasma alimenticio, pero cuando se nos acababa de donde sacabamos mas comida para nuestras mascotas acuaticas???, y entonces les hechabamos al agua lo primero que se nos ocurría, desde una mosca muerta recientemente atrapada hasta pedacitos de lechuga, en fin el agua se llenaba de basura se pudria y los salvajes monstruos nunca aparecian !!!!

Pero la supuesta historia "verídica" de lo que contenian los sobres "mágicos", que saqué de un lugar "serio" que vende este tipo de "Criaturas Marinas" hogareñas es mas o menos así ( a ver si a ustedes los convencen y se compran algunos sobres ).
Los Sea Monkeys eran "artemias salinas" que, modificadas antes para que puedan vivir durante un plazo de tiempo, fueron y aún hoy son comercializadas como mascotas bajo el nombre de “Sea Monkeys” (en español, “Monos Marinos”).
Son de tamaño muy reducido y pueden vivir varios en una misma pecera, mostrando los comportamientos y sentimientos que experimentan en grupo ( )
Fue Harold von Braunhut, científico e inventor nacido en Tennesse pero de origen alemán, quien empezó a comercializarlos como mascota, bajo el nombre inicial de “Instant Life”, (en español, “vida instantánea”), para luego pasar al nombre actual.
Se empezaron a vender en los Estados Unidos bajo una inteligente y exitosa campaña:

Este cientifico creó la artemia modificada, llamada “Artemia NYOS”, la cual crecía a mayor velocidad y duraba más, una media de dos años. Este paquete de “vida instantánea” consistía en una cartulina impresa muy atractiva en donde venían 3 sobres 1 mini-cuchara y un catálogo, cubierto por un blíster plástico. El primer sobre tenía impreso un número 1 y era lo conocido como preparador de agua, y se explicaba que esto preparaba el medio ambiente ideal para los pequeños huéspedes. El segundo sobre marcado con el número 2 contenía lo llamado como plasma viviente, y era en dicho sobre en donde se encontraban los huevecillos de la artemia en estado latente. El tercer y último sobre impreso con el número 3 era el alimento para las artemias.

Esta campaña se basaba en una estrategia de mercadeo enfocada a la conceptualización de la mascota como mascota “INTELIGENTE” ya que dentro de la estrategia de producto, se encontraba la vida instantánea como tal y además se incluía un catálogo de accesorios y estanques especiales, como por ejemplo “El parque de diversiones” estanque en el que existía una montaña rusa, una rueda de la fortuna, etc, en donde “supuestamente” los sea monkeys podían divetirse.

LA SILVALETRA

2010-12-12T01:10:00.000-03:00

Recuerdan del rotulador SILVALETRA ??
Ese aparatito raro de multiples colores que se le ponia una cinta plastica y rotulabamos las carpetas del colegio??
La Silvaletra era de "Silvapen" la empresa que tambien fabricaba las lapiceras y fibras de industria Argentina.
El problema era que si te equivocabas en una letra tenias no tenias posibilidad de corregir y habia que tirar esa parte del rollo de vinilo y empezar de nuevo.

VERANO RETRO CUMPLE 100 PROGRAMAS

2010-12-03T22:07:00.002-03:00

EL SABADO 4 DE DICIEMBRE , EN UNA JORNADA Y EN UN HORARIO ESPECIAL , FESTEJAMOS NUESTROS PRIMEROS 100 PROGRAMAS .
GRACIAS A UDS QUE LO HICIERON POSIBLE , EL PROGRAMA RETRO N-1 DE ARGENTINA ESTA DE FESTEJOS .

EN HORARIO ESPECIAL DEESDE LAS 14 hs y hasta las 20 hs , 6 HORAS CON UNA MUSICA EXCLUSIVA DE SELECCION , PENSADA PARA UDS . CON NUESTROS JUEGOS EXCLUSIVOS , EL CANTANTE ENMASCARADO , LA CORTINA RETRO Y 3 VERSIONES EN UN MISMO TEMA .

NUESTROS BLOQUES EXCLUSIVOS DE LAS BATEAS DE VERANO RETRO Y PREMIOS UNICOS.

DESDE QUILMES Y PARA AL MUNDO DESDE FM ELIT 97.1 Mhz y POR LA WEB:

NUESTRO BLOG: http://www.fmelit971.blogspot.com/

LA WEB DE LA EMISORA: http://www.fmelit971.com.ar/

NUESTRO EMAIL PARA CHATEAR EN VIVO CON NOSOTROS:melodias07@hotmail.com

NUESTROS LINEAS RETROS: 4253-2771

CON LA CONDUCCION DE MARCELA MAGARIÑOS Y LA PRODUCCION Y MUZICALIZACION GENERAL DE DJ WALLY.

TE ESPERAMOS , SABADO 4 DE DICIEMBRE A PARTIR DE LAS 14 HS.

LOS DURAVIT

2010-12-01T01:43:00.000-03:00

Eran de la empresa Caupur SR L totalmente irrompibles,Nunca un bollo después de tantos palos.No necesitaban chapa y pintura.pero sí necesitabas tener algún familiar cercano que te malcriara en navidad o algún día del niño.Había cerca de 100 modelos .Autos camiones y tractores ,y con las siguientes características.

-Las ruedas eran de gomas.

-Los ejes eran metálicos y venían unidos a la taza..

-La carrocería era una sola pieza.

No tenían vidrios.Y simulaba una pintura el parabrisa..La marca del modelo figuraba en relieve.Y de bajo el número de serie.

En 1970 aparecen unos fierrazos.El fitito,el chevrolet,el polara,el fairlane.Y la pick-up Brava.

Añadir leyenda

LOS NIÑOS EN LA TELEVISION ARGENTINA

2010-12-01T01:23:00.000-03:00

Los años setentas tuvieron muchas figuras rutilantes. En el mundo del espectáculo no solo eran jóvenes y adultos los que mostraban sus cualidades. También estaban los niños. Aquellos pequeños que debido a sus precoces condiciones lograban suspiros en las abuelas y rating en las mediciones. Formaron parte de elencos en programas de televisión, espectáculos teatrales, películas y comerciales.

MARCELO MARCOTE

Marcelo Marcote era un niñito pecoso y de sonrisa pícara. Ojitos vivaces y nariz pequeña. Fue el protagonista de muchas películas, en las que compartió cartel con grandes actores del momento.
Fue unos de los que tuvieron el privilegio de ser parte del elenco en la telenovela más recordada en la historia: "Rolando Rivas, Taxista".
También animó programas infantiles y luego de su paso por el mundo del espectáculo, desapareció de la escena y los medios sin dejar ningún rastro. Había gozado de muchísima fama y notoriedad, pero había abandonado la escena para volver a una vida tranquila.
En la actualidad es un pediatra reconocido que aún guarda los rasgos de la niñez y recuerdo con afecto de sus momentos de fama.

LAS TRILLIZAS DE ORO
Estas tres niñas iniciaron su recorrida por los escenarios y estudios de televisión allá por los años sesenta, realizando comerciales para aterrizar en un aún recordado "Sábados Circulares de Mancera" (programa y conductor, que en breve tendrán su merecido post).
Según parece este programa fue el trampolín que las lanzara a una seguidilla de grabaciones de diversos discos junto al productor Ben Molar y canciones de Palito Ortega...
Transitando los años setentas, realizaron giras por Latinoamérica. En Venezuela actuaron en una tira diaria llamada "Angelitos del demonio".
Para 1976 con libro de Enrique Pinti presentaron el show "Canta... Canta... Canta". En cine participaron en "El tío disparate" junto a Palito Ortega y Carlitos Balá. En 1978 Julio Iglesias las contrataría para formar parte de su gira mundial, actuaciones que les permitirían ser reconocidas en diversos países del mundo. En España, Alemania, Holanda, Italia y Japón fueron contratadas como animadoras, conductoras, cantantes y actrices en programas, shows y grabaciones.

BIOGRAFIA - FRANCIS SMITH

2010-12-01T01:12:00.001-03:00

Francisco Brydon Smith, mejor conocido como Francis Smith, fue uno de los iniciadores del pop argentino. Al promediar la década del 60, comenzó su carrera como integrante del grupo Los In, y desde entonces se dedicó a la composición y a la producción, y también incursionó en el cine como guionista y actor.

A toda velocidad, sus canciones alcanzaron popularidad. Se trataba de melodías pegadizas que, sin excepción, eran producto de situaciones de la vida cotidiana y tenían como protagonistas a gente común. Como muchos otros de su generación musical, Francis Smith se inició en el underground de La Cueva. Fue autor de las primeras canciones interpretadas por Sergio Denis, algunas de las más de 300 que llevan su firma, entre ellas unas 30 muy exitosas y traducidas a numerosos idiomas. Por ejemplo, las más conocidas del grupo Los Náufragos, del que fue productor, como "De boliche en boliche" , "Otra vez en la vía" , "Zapatos rotos" , "Yo en mi casa y ella en el bar", "Quedate piola, Vicente" , "Estoy hecho un demonio" (que, según reconoció, escribió como una broma sobre sí mismo, ya que nunca le gustó bailar), "Vuelvo a naufragar" y "Súbete a mi barco"

Al comenzar la década del 80, fue el creador del trío Los Angeles de Smith, encabezado por su segunda esposa, Sandra. El primer matrimonio de Smith fue en 1972 con Marilú (Marilú Brajer), del ciclo musical de TV Alta tensión , con la que se casó en 1972, en una ceremonia transmitida por la pantalla chica, y con la que tuvo dos hijos.

Smith, que fue director artístico del sello CBS Columbia, donde también produjo a artistas como Pedro y Pablo (cuando popularizaron "La marcha de la bronca"), tuvo una activa participación en el cine, incluso como guionista, tal como ocurrió en la comedia Estoy hecho un demonio (1972), que dirigió Hugo Moser (su padrino de bodas), en la que también actuó junto a Juan Carlos Dual, Ricardo Dupont, Jorge Barreiro. Eduardo Lavié y Osvaldo Terranova .

Recientemente, sus temas volvieron a escucharse en la banda de sonido de Isidoro, la película , el largometraje de dibujos animados que dirigió José Luis Massa, de acuerdo con los personajes creados por Dante Quinterno. Para la TV, donde en su mejor momento llegó a emitirse un programa infantil titulado Zapatos rotos , Smith compuso los temas de los micros animados de Mafalda, dirigidos por Daniel Mayo, que emitió Canal 11 en 1973. En 1995 recibió el Gran Premio Sadaic como "Mejor autor de música popular"

En una entrevista que concedió, comentaba:

“Nunca me imaginé que esas canciones iban a quedar como pintura de una época. Una vez Pipo Mancera me dijo ‘vos sos un periodista musical’. Yo me ponía el traje de hippie y me lanzaba a la calle Corrientes a ver qué pasaba. Yo en mi casa... la escribí en el bar La Paz, mirando a las chicas que discutían durante horas. Y el que iba de boliche en boliche era yo, buscando temas para mis canciones”, supo contarle Smith a Clarín, en la previa del estreno del filme Isidoro, la película, a cuya banda de sonido su música le vino como anillo al dedo.

El 11 de febrero de este año, falleció a los 71 años. Hacía cuatro años que recibía tratamiento de diálisis y al momento de su muerte se encontraba internado.

¿Quién de nosotros no tarareó al menos una de sus canciones?

Eran canciones fáciles, pegadizas, sin mucha ciencia, pero han perdurado durante muchas décadas.

Podemos decir que la candidez del rock de los 70, se fue con él!

BIOGRAFIA - HELENO

2010-12-01T00:58:00.003-03:00

La carrera artística de Miguel Ángel Espinosa (Heleno) fue bastante curiosa. Nació en Buenos Aires en diciembre de 1941, su crianza no tuvo ninguna diferencia con respecto a la de miles de chicos que anduvieron por potreros jugando al futbol. Pero la característica de aquella época fue que su pasión por la música melódica crecía día a día, al punto que abandono todo para dedicarse a cantar.

Como era menor de edad, tuvo algunos problemas para presentarse en boites y clubes nocturnos, donde hizo sus primeras armas como cantante. Tenía poco mas de 15 años, pero lo ayudaba su físico y sus rasgos adultos. Así paso doce años, siempre actuando en locales nocturnos, con los nombres de Darío Coty o Christian.

Pero su verdadera iniciación artística, su gran irrupción al éxito masivo, se produjo cuando ya rozaba los 30 años. Tres conocidos periodistas del ambiente artístico lo vieron actuar en una boite porteña y se sorprendieron de sus cualidades vocales. Inmediatamente gestionaron las primeras pruebas en RCA de Argentina. Ya con el nombre de HELENO, paso el examen y empezó a presentarse en clubes de la Capital Federal y del Gran Buenos Aires, además de incursionar en shows televisivos, donde cosechó un singular éxito y el afecto de miles de jovencitas que lo convirtieron rápidamente en un ídolo de la canción.

La carrera de HELENO, a partir de ahí, fue meteórica. Su primer gran éxito fue “La chica de la boutique”, en 1971, que vendió más de 400 mil simples y le valió su primer Disco de Oro, además de encabezar durante varias semanas los rankings de ventas.

Después vinieron temas como “Niña mujer”, “En un micro” y otros mas, todos los cuales eran de su inspiración y recibieron favorables acogidas por parte del público juvenil, especialmente femenino. Por entonces grabo su primer LP: “La chica de la boutique”.

La velocidad con que se impuso no fue menos sorprendente que la fecundidad de su inspiración de producción, completó 2 LP más y varios simples hasta superar la docena.

Al final de 1973 tuvo gran éxito con “No son palabritas”, un tema que fue un verdadero boom, vendió 120 mil placas en la Argentina, 200 mil en México y 400 mil en el resto de América Latina. Obtuvo nuevos discos de oro. Esa misma canción fue grabada en portugués, para incursionar en el mercado brasileño, en francés y en alemán.

Compositor de la casi totalidad de sus canciones, Heleno ejecutaba la guitarra permanentemente, como un vicio, buscando crear nuevos temas. En 1973 visito 13 países americanos, incluidos Brasil y los Estados Unidos, recibiendo aplausos ante los públicos más diversos además de invitaciones para volver a presentarse en festivales y conciertos.

LA CHICA DE LA BOUTIQUE

PERSONAJES - LAUREL Y HARDY

2010-11-14T16:24:00.000-03:00

Durante más de 20 años, el dúo más divertido del cine hizo reir al mundo entero. El cambio de las películas mudas a las habladas los hizo aún más populares y su famosa frase yo soy Laurel y tu eres Hardy, tu eres gordo yo flaco, fué escuchada por el mundo entero.

Al final de los años 20 (en el 1900) comienzan a imponerse este duo con una manera de hacer los chistes sin prisa alguna.

Arthur Stanley Jefferson (Nace el 16 de junio de 1890 en Inglaterra - Muere el 23 de febrero de 1965 en EE.UU.), conocido como Stan Laurel, era un actor cómico, escritor y director, Nace en el seno de una familia de acróbatas. Por ser superticioso ya que las letras de su nombre, Arthur Stanley, sumaban 13, se cambia a Stan Laurel.

Norvell Hardy (Nace el 18 de enero de 1892 - Muere el 7 de agosto de 1957), conocido como Oliver Hardy, fue un actor estadounidense, Su padre muere cuando era joven y su madre lo anima a tomar clases en el Conservatorio Nacional.

Antes de formar el dúo más famoso en la historia del cine cómico, ambos realizan una serie de cortos en forma separada hasta que en 1927, Laurel y Hardy protagonizarían sus primeras películas Slipping Wives y With love and Hisses, aunque aún no formaban la pareja cómica. Es el director de supervisión de Roach Studios, Leo McCarey, quién ve el potencial de la pareja y probablemente fue quien alentó a los cómicos de que formaran un dúo, aquello se hizo realidad a finales de aquel año. Se había creado uno de los equipos cómicos

Su filmografía es de varias decenas de cortos,

largometrajes, como protagonistas o actores secundarios, aparte de las que filmaron cada uno por separado.

Aún no se olvida estos cómicos que jamás tuvieron una discusión y seguramente nunca se olvidarán porque aún no han nacido los que puedan ponerse sus zapatos

Condorito

2010-10-29T11:03:00.000-03:00

Condorito es un personaje de historieta chileno muy popular en Hispanoamérica. El personaje es representado como un hombre-cóndor (en alusión al escudo nacional de Chile) que vive en una ciudad ficticia llamada Pelotillehue y pese a que fue creado por el dibujante chileno René Ríos (mejor conocido como "Pepo"), muchos otros países latinoamericanos consideran erróneamente al personaje como originario de su propia cultura.

Dueños de un humor ingenioso, sano y divertido, Condorito y sus amigos representan fielmente la idiosincrasia del hombre latino. ¿Qué es Condorito? A simple vista es un cóndor humanizado, un hombre cóndor, una maravilla de la naturaleza, y uno de los más grandes íconos del comic de Latinoamérica. Han sabido trascender las fronteras para encontrar una cálida acogida en el corazón del mundo hispanoamericano, donde han logrado alcanzar la más alta popularidad, entre todos los cómics de habla hispana.

Actualmente el número de lectores de la revista, sobrepasa los 82 millones anuales.

Empezó en 1949 con una tira cómica en la revista Okey. En 1955 se edita el primer libro de Condorito, recopilando todas las tiras publicadas a la fecha. Desde mediados de la década de 1950 hasta comienzos de la década de 1980 se editó en forma de revista semanal, llamada "Condorito", la que desde 1983 hasta la fecha, se edita en forma quincenal. También aparecen "Libros gigantes de Oro" mensuales, con chistes clásicos y Ediciones Bimensuales "especiales".

Su formato es de chiste, donde cada pequeña historia es independiente del resto, y tiene siempre un final cómico. Una característica peculiar de la tira cómica, es que al final de cada historia, uno o varios personajes caen al suelo tras ser víctimas de una situación vergonzosa o estúpida, acompañado esto de la onomatopeya "¡PLOP!". También suele terminar con un "¡Exijo una explicación!" por parte de Condorito cuando las cosas no le salen bien.

Los estilos cómicos que predominan en Condorito son el humor blanco y la sátira. La edición es muy cuidada para que no aparezcan groserías, obscenidades o alguna referencia muy marcada al mundo real. El humor blanco se genera de situaciones que se resuelven de una manera ridícula o extraordinaria. En cuanto a la sátira, es más que evidente que el autor se divierte retratando los defectos de todos nosotros, las personas comunes; muchos de estos defectos generan situaciones que concluyen de manera, digamos, insolentemente normal.

Aeropuerto. Suspenso a bordo

2010-10-29T10:59:00.000-03:00

Aeropuerto (Airport) es una película de 1970. Aunque su argumento es complejo, y con mas de dos horas de duración. Aeropuerto fue la iniciadora del género de cine de desastres, estableciendo muchas las convenciones usadas por las películas de este género. La película se centra en los responsables de un aeropuerto, que tratan de mantenerlo abierto durante una tormenta de nieve, mientras un suicida armado con una bomba intenta hacer estallar un Boeing 707 en pleno vuelo. Se trata de una adaptación cinematográfica realizada por George Seaton de la novela homónima de Arthur Hailey, dirigida por el mismo Seaton y por Henry Hathaway y rodada en cinta de 70 milímetros por Ernest Laszlo. Fue la última película a la que Alfred Newman puso música antes de su muerte.

Era la época en que se juntaban un buen número de actores y donde se desarrollaban pequeñas historias paralelas en cada uno de los personajes. La mayoría de ellos eran muy famosos y los productores sabían que jalaban la atención del espectador.

Aeropuerto ganó un Oscar a la mejor actriz de reparto (Helen Hayes), y obtuvo nueve otras nominaciones: mejor película, mejor actriz de reparto (Maureen Stapleton), mejor dirección artística, mejor fotografía, mejor guión adaptado, mejor música, mejor montaje, mejor sonido, y mejor vestuario. La película obtuvo unos ingresos de más de cien millones de dólares en taquilla.

Se hicieron después 4 películas más sobre el mismo tema, donde fueron desfilando comnotados actores entre ellos están Alain Delon y Charlston Heston.

Reparto

Burt Lancaster como Mel Bakersfeld, director del aeropuerto

Dean Martin como Vernon Demarest, capitán del vuelo Trans-Global dos

Jean Seberg como Tanya Livingston, relaciones públicas de Trans-Global

Jacqueline Bisset como Gwen Meighen, azafata de cabina del Trans-Global dos

George Kennedy como Joe Patroni, jefe de mecánicos de la TWA

Helen Hayes como Mrs. Quonsett, pasajera

Van Heflin como D. O. Guerrero, antiguo contratista en bancarrota

Maureen Stapleton como la señora Inez Guerrero

Barry Nelson como el piloto Anson Harris del Trans-Global dos

Dana Wynter como Cindy Bakersfeld, esposa de Mel Bakersfeld

Lloyd Nolan como Standish, jefe de mercancías del Aeropuerto Internacional Lincoln

Barbara Hale como Sarah Demarest (hermana de Mel Bakersfeld, esposa de Vernon Demarest)

Gary Collins como Cy Jordan, segundo oficial/ingeniero jefe del Trans-Global dos

Movie Trailer: Airport: 1970

El Genial Charles Chaplin

2010-10-29T10:53:00.000-03:00

Actor director, guionista y músico de origen británico (Londres, 1889-Corsier-sur-Vevey, Suiza, 1977). Autor completo, puede que el primero en la cronología cinematográfica, en todo el sentido de la palabra (él mismo escribió la música de sus películas sonoras), Charles Spencer Chaplin encarnó el cine para millones de personas durante varias generaciones, proyectándose en la personalidad de Charlot. Secreto en muchos aspectos, sin embargo el hombre es inseparable del autor. Proveniente de una familia de music-hall al principio próspera pero que a finales de siglo cayó en la miseria, Chaplin debutó en el teatro a los cinco años y desde muy joven tomó parte en las giras a través de Inglaterra y de Europa antes de embarcarse para los Estados Unidos en 1912 (después de una primera estancia en 1910). Mack Sennett se fijó en él, la Keystone lo contrató (dic. 1913) y debutó allí como intérprete de Henry Pathé Lehrman en enero de 1914. Pronto realizó él mismo sus películas, de una y después dos bobinas a un ritmo frenético, dejando la Keystone por Essanay (1915), ésta por la Mutual (1916) y esta última por la First National (1918). En unos cuantos años su salario aumentó diez veces en proporción a un éxito fulgurante que hizo de él el cómico más popular de los Estados Unidos y más tarde del mundo entero. Cofundador de la United Artists con Griffith, Fairbanks y Mary Pickford (1919), pasó a la realización de largometrajes que necesitaron meses de preparación y que fueron objeto de campañas publicitarias muy bien calculadas al controlar Chaplin completamente producción y distribución. Intentaría, incluso, la producción de películas de otros, con The Seagull de Sternberg (para él fue un fracaso y no la distribuyó jamás).

Durante este tiempo, el hombre Chaplin debe capear los primeros temporales de una vida privada que sus dos giras triunfales, en 1921 y 1932 por Europa y más tarde por el resto del mundo contribuyeron a hacer pública. Su primer matrimonio y su primer divorcio (Mildred Harris, 1918, 1920) pasó desapercibido. Pero no ocurriría lo mismo en el segundo (1927), con Lita Grey (casada en 1924) que le interpuso un proceso "escandaloso" haciendo de él el blanco de las ligas puritanas. Además, Chaplin debería afrontar las consecuencias del final del cine mudo, que sobrevino cuando su estilo visual había alcanzado la cumbre. Indiferente, incluso hostil, a la técnica, sólo produjo películas habladas con largos períodos de tiempo entre ellas: Luces de la ciudad es una película sonorizada. Si el matrimonio de Chaplin con Paulette Goddard (1933-1941) gozó de gran discreción, las películas de este período inquietaron al público: Tiempos modernos atacaba el trabajo en cadena, y El gran dictador anunciada abiertamente como panfleto ántihitleriano, le aportó a Chaplin los ataques de los medios aislacionistas. Durante la guerra, intervendría en favor de la apertura del "segundo frente" y, en 1947, sería acusado por la Comisión de Actividades Antiamericanas de simpatizar con el comunismo.

Sus inicios: La Pantomima

El genio de Chaplin hay que buscarlo primero en su oficio original: la pantomima, que enriqueció y refinó casi excesivamente, y después dominó (cf. su doble papel en El gran dictador). A distancia, ella entra en sus películas mudas en composiciones a veces conflictivas con su sentido del espacio todavía demasiado estrecho, pero pronto más sutil que el de Mack Sennett (relación entre los gestos de personajes diferentes, elección de ángulos, cambios de escala). Después la filosofía de Charlot, vagabundo famélico, a menudo víctima, a menudo sentimental pero en ningún caso simple, y ligeramente sádico en ciertos momentos, ha sido indebidamente elevada al rango de un humanismo universal (lo que no significa, en absoluto, que la reflexión sobre la condición humana esté ausente). Sus límites están indicados por el famoso gag de Tiempos modernos en donde el "hombrecillo" se encuentra a la cabeza de una manifestación... porque agita el trapo rojo de una interrupción de tráfico. Hoy, tras un eclipse debido a la política malthusiana del mismo Chaplin en cuanto a una nueva aparición de sus películas, al redescubrimiento de Buster Keaton, a la debilidad de los comentarios vacíos que añadió a algunas de sus obras (sobre todo La quimera del oro) y a la cursilería intrínseca de Candilejas, la reedición integral de los largometrajes nos ha recordado la verdadera grandeza, no exenta de amargura pero a menudo dotada de hermosa generosidad, que sigue siendo la de Chaplin.

El injusto "Oscar"

Una de las mayores injusticias de la historia de los Oscar es que el genial Charlie Chaplin jamás ganase un Oscar como director o protagonista. En 1971 se le dio un más que merecido Oscar Honorífico “Por el incalculable efecto que ha producido en el arte del siglo XX: El Cine”.

Cabe señalar que Charlot participó en una película que sí ganó un Oscar, su nombre, El circo (The Circus; Estados Unidos, 1928) Premios: Oscar mejor actor, director, guionista y mejor película 1929. Entabló roles con actores como Merna Kennedy y Betty Morrisey. Fue el último film mudo de Chaplin. El vagabundo Charlot al huir de los policías encuentra refugio en un circo, conoce a una muchacha quien trabajosamente quiere ser domadora de caballos. Chaplin la ayuda a lograr su propósito y se ilusiona con la joven pensando que ganó su corazón. Sin embargo, la domadora se siente atraída por un equilibrista. Mientras tanto, le suceden mil y una peripecias.

Chaplin, que por entonces vivía en Europa a dónde se fue por la caza de brujas, volvió por primera vez a Estados Unidos en mucho tiempo, el genio no pudo evitar emocionarse, y al recoger el Oscar dijo: “Este es un momento muy emocionante para mí y las palabras parecen fútiles, tan enclenques… Sólo puedo decir gracias por el honor de haber sido invitado aquí. Sois maravillosos, gente dulce”.

Datos interesantes

* Charles Chaplin fue la persona más conocida del mundo desde 1917 hasta mediados de los años treinta. Este dicho está avalado por dos hechos: la rápida difusión del cinematógrafo en las décadas de los años veinte y treinta y también en el viaje que realizó por países de todo el mundo, donde era recibido por grandes multitudes.

* En español, ha quedado la palabra «charlotada» para reflejar una acción grotesca o ridícula y una corrida de toros de tono cómico. Su nombre proviene del torero cómico Carmelo Tusquellas, apodado Charlot porque su traje y estilo evocaban el de Chaplin.

* Se dice que el humor que muestra Charlot en sus películas es «universal». Para comprobar esto, a finales de los años 90 se realizó un experimento, consistente en proyectar varios de los cortos de Charlot a distinto público, de distintas culturas, que nunca antes habían visto a Charlot y, en muchos casos, ni siquiera habían tenido la oportunidad de ver televisión y cine. El experimento dio resultados concluyentes: aunque había culturas donde no entendían lo que veían (no eran capaces de entender las construcciones, vehículos, ropa, protocolos sociales, etc, de la Norteamérica de principios del siglo XX), sí que se divertían y reían con las persecuciones, caídas, tartazos, trucos, timos, etc. protagonizados por Charlot.
* Candilejas (1952) es la antepenúltima película de Charles Chaplin. El artista británico espacia cada vez más sus proyectos en el tiempo. Pero este film está hecho a conciencia por el cómico. Chaplin sabe jugar perfectamente los tiempos de la comedia y el drama. Todo ello envuelto por unos diálogos tiernos y perfectamente elaboradas. Cabe destacar también la banda sonora de la película, compuesta por el propio Chaplin, y que es uno de los grandes temas de la historia del cine. De hecho, por esta composición, Chaplin ganó el Óscar en 1972 a la mejor musica original 20 años después del estreno de la película.

* Como curiosidad cabe destacar que una vez participó en un concurso de imitadores de Charles Chaplin pero no alcanzó ni las finales, aunque leyendas urbanas dicen que quedó tercero o segundo.

* El prestigioso director italiano Pier Paolo Pasolini era fan de Chaplin y de sus películas. En su película Los cuentos de Canterbury, el personaje de Ninetto Davoli es una especie de recreación del personaje de Charlot. Una de las hijas de Chaplin, Josephine Chaplin también trabajó en la película, felicitando a Davoli por su excelente homenaje a su padre.

Simon: El Juego de la memoria

2010-10-29T10:45:00.000-03:00

Quién no se acuerda aquel jueguito llamado Simon? Se vendieron millones de estos en todo el mundo. Era un juego electrónico para desarrollar la memoria desde temprana edad.

Simon es un juego electrónico creado por Milton Bradley en 1978. Tuvo un gran éxito durante los 80. Tiene forma de disco, en una de sus caras se puede ver cuatro cuadrantes, cada uno con un color: verde, rojo, azul y amarillo en su versión original. Su nombre se debe por el conocido juego tradicional del mismo nombre: "Simón dice", de donde se inspira.

El juego de forma aleatoria va iluminando los cuadrantes de colores, y a la vez que se ilumina cada cuadrante emite un sonido propio. Después de esperar, el usuario debe ir introduciendo la secuencia mostrada en el orden correcto, ayudándose de su memoria visual y sonora. Si lo consigue, éste responderá con una secuencia más larga, y así sucesivamente. Si falla, el usuario debe volver a empezar. Los distintos niveles de dificultad van aumentando la velocidad de la secuencia a repetir.

Don gato y su Pandilla

2010-10-29T10:41:00.000-03:00

En el mundo de los gatos no hay ninguno más listo que Don Gato (Top cat), el líder de un grupo de mininos que vive entre cubos de basura en un callejón de Manhattan. Sin embargo, allí se siente como en casa, a pesar del acoso al que le somete cada día el agente Matute, obsesionado por conseguir que Don Gato se marche del barrio. Don Gato se las ingenia siempre, ayudado por sus cinco fieles amigos, entre los que destaca el tierno e inocente Benito, para llevar una vida cómoda y divertida. Muchos de los personajes de la serie están inspirados en la serie de televisión de los años 60 "You'll Never Get Rich". "Don Gato" fue la segunda serie de animación de Hanna-Barbera que se emitía en horario "prime-time" en Estados Unidos, después de "Los Picapiedra". Aquí en Perú pasadas las 8 de la noche, de lunes a viernes llegaron en los setentas.

LOS PERSONAJES

DON GATO Lider y gran maestro del engaño, Don Gato guía a Benito, Cucho y los muchachos en una serie de planes y tretas con fines de lucro. Hábil orador, sus lugares favoritos de reunión son los salones de billar del distrito # 13, donde él y sus amigos pasan su tiempo eludiendo al Oficial Matute y su temido bastón. Sus frases favoritas son: "Desaparezcan, muchachos" y " Vamos muévanse".

EL OFICIAL MATUTE El Oficial Matute, quien puede ser localizado en el 1-800-#1 DONGATO, es el encargado de patrullar el complicado distrito #13, hogar de Don Gato y su pandilla: Benito, Cucho, Demóstenes, Spook y Cerebro. El Oficial matute trabaja para imponer la ley y el orden y para mantener limpios los callejones. Gran amante de la música, es también conocido por su clasico grito "Don Gato. ¡Deja mi teléfono!".

CEREBRO Cerebros no es un nombre muy acertado para este rojizo miembro de la pandilla de Don Gato. Fanático de la vida sencilla, Cerebros suele seguir a la pandilla pasivamente.

PANZA Un gato que puede jactarse de tener alguna reputación con las felinas, posee una elegancia y unos modales envidiables.

ESPANTO Amante del jazz, Spook es el músico aficionado de la pandilla. Sus pasatiempos favoritos son tocar la batería y vaguear por el callejón. Sus típicas frases son: "Pues, hombre" y "Grandioso"????

DEMÓSTENES Demóstenes es el sueño de toda gata. Su encanto y su hábil discurso lo ayudan en su constante búsqueda de compañía femenina. Pese a ser un verdadero Don juan, Demóstenes no duda en abandonar a sus damas para participar de los delirantes planes de Don Gato.

CUCHO Es el mensajero oficial de la pandilla. Suele exagerar un poco a la hora de alentar a sus compañeros. Tiende a enamorarse de damas de un nivel social superior. Lo podrá reconocer por sus pegadizas frases: "Oooh, oooh" y "Déjame hacerlo a mí".

BENITO Con su voz chillona (no así en idioma inglés), Benito es el gran confidente de Don Gato y diseña la mayoría de los planes con fines de lucro de la pandilla. Adora los sandwiches de pastrami y los huevos duros. Además de ser un buen hijo, toca muy bien la armónica. Su frase de marca registrada es "Hola Don Gato".

DON GATO - PRESENTACION

El Gran Chaparral

2010-10-29T10:31:00.000-03:00

El Gran Chaparral (The High Chaparral) es una de la mejores serie de su clase. Ésta relata la historia de la Familia Cannon ,
encabezada por John Cannon (Leif Erickson) y su esposa Victoria
(Linda Cristal), propìetarios del rancho Gran Chaparral.

Creada por David Dortort (responsable también de BONANZA), se estrenó el 10 de septiembre de 1967 a través de la cadena NBC. Su trama giraba en torno a dos familias del oeste norteamericano: los Cannon y los Montoya, dueños de grandes parcelas de territorioen Arizona. La familia Cannon era liderada por John (interpretado por Leif Erickson) dueño del rancho High Chaparral y por su esposa Victoria (Linda Cristal), hija de los Montoya. El hermano de John, capataz del rancho era "Tío" Buck Cannon (el gran Cameron Mitchell) y el hijo de John era Blue Cannon (que en realidad no era hijo de Victoria, sino de la anterior esposa de John), interpretado por Mark Slade. El padre de Victoria, Don Sebastián Montoya, fue interpretado por Frank Silvera durante las primeras temporadas de la serie, mientras que entre 1970 y 1971 Gilbert Roland tuvo a su cargo el papel de Don Domingo Montoya, hermano de Don Sebastián. También entre los actores centrales de la serie se destacó Henry Darrow en el papel de Manolo Montoya (hijo de Don Sebastián).

Entre los peones del rancho también estuvieron Bob Hoy como Joe, Roberto Contreras como Pedro, Rudy Ramos como Wind y Rodolfo Acosta como Vasquero. Emitida en el horario central de las 10 de la noche de los domingos por América Televisión (al terminar BONANZA), la serie cosechó respetable audiencia, a pesar de competir directamente con MISIÓN IMPOSSIBLE (emitida por Panamericana Televisión en el mismo horario). De todas maneras un cambio horario la movió a los jueves a las 7.30, con lo que pasó a competir con THE WILD WILD WEST (Jim West). Hasta su cancelación en 1971 se mantuvo en el mismo lugar. Después de tiempo se han efectuado repeticiones pero ya en horarios muy avanzados de la noche.

Reparto:

Leif Erickson: Big John Cannon /
Cameron Mitchell: Buck Cannon /
Henry Darrow: Manolito Montoya /
Linda Cristal: Victoria Cannon /
Mark Slade: Billy Blue Cannon /
Frank Silvera: Don Sebastian Montoya /
Don Collier: Sam Butler /
Robert F. Hoy: Joe Butler (como Bob Hoy)

Notas:

Linda Cristal nacida con el nombre de María Victoria Moya Burges en Buenos Aires, Argentina, el 24 de febrero de 1924, su carrera actoral se inició en México en 1952 con el filme LA BESTIA MAGNÍFICA.

Henry Darrow nació en New York el 15 de septiembre de 1933, bajo el nombre de Enrique Tomás Delgado, hijo de Enrique Delgado y Gloria Delgado. De ascendencia mejicana Darrow es una persona de modales refinados, lo que es un interesante contraste con su personaje de Manolito Montoya.

Radio Club de Barbas

2010-10-29T10:22:00.000-03:00

En 1964 comenzó “El Club de Barbas”, que se convirtió en un éxito por más de 20 años.

Con la conducción de Rubén Aldao, el programa se emitía de lunes a sábados de 6 a 8hs. de la mañana. Durante todo el ciclo, Aldao popularizó la frase que se transformaría más tarde en el slogan del programa: “Sin ustedes ahí, nosotros aquí…¿para qué?”.

El programa duró hasta fines de 1981 y logró alcanzar el mejor pico de audiencia en la historia de la radio en su segmento horario.

PERSONAJES - JUAN CARLOS ALTAVISTA

2010-10-16T11:46:00.000-03:00

Los comienzos de Juan Carlos Altavista se remontan al Teatro Infantil Labardén. En este teatro tuvo como compañeras a Julia Sandoval y a Beba Bidart, ya encaminado en el ambiente artístico aprendió de actores como Narciso Ibáñez Menta, Francisco Petrone y Luis Sandrini. Con Raquel Álvarez, su mujer de toda la vida, tuvo tres hijos Maribel esposa del comediante Miguel Ángel Rodíguez, Ana Clara y Juan Gabriel. "Mi mujer, sinceramente es lo más lindo que me paso en la vida" diría Altavista dos años antes de morir.

El personaje que lo hizo famoso, Minguito Tinguitella, nació de una idea de Juan Carlos Chiappe. Se trataba de un ciruja o cartonero que operaba en la quema de basura tirando de un carro. Vestía boina y alpargatas. Tuvo mucho éxito en radio y teatro.

Tiempo después Minguito se suma a Polémica en el bar, un sketch televisivo de Operación Ja Ja que luego se presentó como programa autónomo, con la participación de Fidel Pintos, Javier Portales, Vicente La Rusa, Mario Sánchez y Adolfo García Grau. Desde ese momento Minguito cambió su vestimenta, a raíz de un juego simbólico de Altavista que quizó hacerle un homenaje a su padre, a quien no pudo acompañar al fallecer. Luego, Altavista en un reportaje dirá: "Me puse ropas de él. Su sombrero, el saco, la camisa, el echarpe, un cinto grueso de cuero. Y le agregué zapatillas de paño y palillo en la boca".

De origen humilde, Minguito como era apodado por el público, actuó en varias películas, destacándose siempre por su comicidad y por su personaje principal,

Falleció el 20 de julio de 1989 de un ataque cardíaco, debido a que padecía una enfermedad llamada Síndrome de Wolff-Parkinson-White, que le producía taquicardias paroxísticas (una aceleración con descontrol del ritmo cardíaco).

Hechos históricos

Durante la dictadura autodenominada "Revolución Argentina" (1966-1972), y cuando se encontraba prohibido con pena de prisión mencionar la palabra "Perón", Altavista, personificado como Minguito, en el programa "Polémica en el bar", mencionó al ex presidente Juan Perón fuera de libreto y lo defendió. El hecho produjo una notable inquietud y entre sus compañeros actores, allí presentes. Sin embargo el programa no fue levantado.

En 1987, dos años antes de morir Altavista, "Minguito", como reportero de La Voz de Rioba entrevistó a Diego Maradona. Maradona apareció a la entrevista vestido como Minguito. El hecho tuvo gran significación porque "Minguito" se había convertido en un símbolo del hincha de Boca.

En 1994 Roberto Grela y Leopoldo Federico compusieron en honor del personaje y del actor, el bello tango "Minguito Tinguitella".

Minguito Tinguitella, o simplemente "Minguito" o "el Mingo", fue un famoso personaje creado por el guionista Juan Carlos Chiappe e interpretado por el actor argentino Juan Carlos Altavista (1929-1989), entre las décadas del sesenta y del ochenta. "Minguito" intentaba esterotipar al hombre "de pueblo" argentino, y más particularmente de Buenos Aires, descendiente de inmigrantes. El personaje alcanzó gran repercusión cuando fue incluido en un popular programa humorístico televisivo de los hermanos Gerardo y Hugo Sofovich, Polémica en el Bar, que intentaba reflejar en la mesa de un típico cafetín de Buenos Aires, a la sociedad argentina. Allí estaban "el chanta", vivillo heredero de la tradición picaresca española; el intelectual; el hombre de clase media; y el trabajador ( "Minguito" ).

Características

El personaje apareció a fines de la década del 50 en la radio. Altavista y otro actor joven interpretaban a dos chicos de la calle, Hilacha y Solino. Otros personajes de la serie eran "El Guapo del Conventillo" interpretado por Juan Carlos Palma; "Pamela", la sin puntos ni comas, interpretada por Inda Ledesma y Fidel Pintos, con sus famosos personajes "sanateros".

Minguito Tinguitella tenía cuatro características principales que lo distinguían: era "hincha" (fanático) de Boca Juniors, era intransigentemente peronista, era descendiente de italianos, y era trabajador informal ("cartonero" y periodista de barrio). Además "Minguito", quien nunca se había casado, profesaba un amor sublime por su madre "la viejita", a quien consideraba una santa. Tenía una vieja camioneta, a la que llamaba la santa Milonguita, para "cartonear" o "cirujear" en la quema de basura.

Frases pegadizas e insólitas de Minguito

"Ségual"

"¡¡¿¿Que hacé tri tri!!??"

"Hay que levantarle un manolito..."

"¡Sí señó!"

"¡Sí señó, Bariloche es argentino!"

"¡Apropícuese!"

"Trí-trí" (apelativo que le puso a Jorge Porcel, que se volvió muy popular)

Minguito baila Ballet

Minguito en Polémica en el Bar - 1984

Minguito - Entrevista

MUSICA - LOS ROCKIN DEVILS

2010-10-16T11:04:00.000-03:00

Los Rockin Devils se formaron en Tijuana, B. C. a mediados de 1961 y son uno de los mejores grupos que animaron la época dorada del Go-Go; aquella de las jaulas, las bailarinas y el popular programa Discotheque Orfeón.
Entre sus integrantes originales se encontraban:

FRANCISCO “Frankie” ESTRADA ( Vocalista )
BLANCA ESTRADA ( Vocalista )
JESUS OLIVAS( 2a. Voz )
LUIS JAIME “güero” GONZALEZ ( Teclados y Órgano )
ELÍAS MANUEL AMÁBILIS PALMA( Guitarra )
MIGUEL ANGEL OSUNA ( Bajo )
ALEJANDRO ROBLES ( Batería )
GUILLERMO BARAJAS (Acompañamiento )
ESTEBAN RÍOS ( Saxofón )

Al poco tiempo Esteban Ríos salió del grupo para dejar su lugar a:
VICTOR MARIANO "Mario" ROJAS ( Sax )El nombre de Rockin Devils, lo tomaron como ejemplo del nombre en inglés de los Rebeldes del Rock: Rockin Rebelds que apareció en la portada del primer disco de los Rebeldes.
En 1964 grabaron en los estudios de la radiodifusora XEC de Tijuana su primer Long Play para Discos Tambora. De ahí sobresalió la canción Sospechas en voz de Jesús Olivas. Ese mismo año, Ricardo “Güero” Carrión los vio actuar en el Salón Flamingos de aquella ciudad fronteriza cuando alternaron con los Hnos. Carrión y los invitó a grabar para Discos Orfeón.
A la Ciudad de México llegaron Frankie, Blanca e Irma Estrada, Jaime González, Alejandro Robles, Miguel Osuna, Mario Rojas y Memo Méndez Landeros, quien salió del grupo meses después, reintegrándose Elías Amábilis en el requinto.
Este fue el grupo base que grabó su primer LP para Discos Orfeón en 1965, del cual solamente destacó el tema Bien o Mal , cabe mencionar que Irma Estrada sólo tuvo participación en esta producción y salió del conjunto.
Enseguida apareció el que sería su disco de consagración: Los Sensacionales Rockin Devils, de donde surgieron rápidamente grandes éxitos como: Bule Bule, Gloria y Yu Yu Mata Yu Yu Jen.
Para 1966 lanzan su siguiente LP: Exitos a Go Go con los Rockin Devils del cual destacan: Perro Lanudo, Una Chica Ye Ye, Todos queremos a Lupe, los Pájaros y las Abejas y Hey Lupe.
También en el ‘66 aparece el álbum Nuevos Exitos con Los Rockin Devils que contenía Tiempo de Llorar, Susy Q y Chícharos Dulces, que fueron otras canciones que se sumaron a su lista de hits.
Durante 1967 salieron a la venta dos discos de larga duración: Los Rockin Devils y Nuevos Hits de los Rockin Devils, de los cuales se colocan Diablo con vestido azul, Georgy Girl, Muñeco de Cuerda, Chula Tu y El Trampas, entre otros.
Los éxitos siguieron en 1968 con Los Rockin Devils: Pata-Pata Psicodélico y con Más grandes Hits de los Rockin Devils, siendo Pata Pata, Malayisha, El Juego de Simón, Al Maestro Con Cariño y Conoces El Camino a San José las más populares.
En 1969 con su LP Los Rockin Devils: Esos Fueron los Días colocan el que tal vez fue su último gran éxito Esos Fueron Los Días, además de Ob-La-Di Ob-La-Da y Aquarius / Deja Que El Sol Entre, tema que perteneció a otro álbum de nombre Nuevos Hits De Los Rockin Devils .
Su gran popularidad en el mundo de la música, les abrió las puertas de la pantalla grande, debutando en 1965 con la película “Juventud Sin Ley”. En 1966 participaron en “Amor a Ritmo de Go-Go” cinta en la que compartieron créditos con Javier Solís, también actuaron en “Las Tigresas: con licencia para matar” en 1967 y “Cazadores de espías” en 1968.
A principios de los años setentas, los Rockin Devils se separaron por distintos problemas internos. Con más de 40 éxitos comprobados y un sinfín de programas de televisión los llamados “Diablos Rockeros” fueron parte muy importante de la música popular en nuestro país.
Años después, Jaime güero González tecladista y fundador del grupo intentó revivir a los Rockin Devil's para mantenerlos vigentes con nuevos integrantes, sin embargo su sueño duró poco ya que falleció en un trágico accidente automovilístico el 3 de octubre de 1981 en la Ciudad de México.
En la actualidad el grupo ha regresado a los escenarios de México y Estados Unidos de Norteamérica presentándose con dos distintas formaciones; la de Estados Unidos lidereada por Frankie Estrada, su hermana Blanquita y Miguel Osuna; y la de México con Alejandro Robles, Elías Amabilis, Wendy Sánchez y Paco Gutiérrez.
Ocasionalmente trabajan juntos todos los integrantes del grupo original logrando grandes éxitos en sus actuaciones. Incluso están por realizar una gira en varias ciudades de la República Mexicana, además planean regresar a la escena musical con nuevas grabaciones, por lo que existe la promesa de tener Rockin Devils para rato.

MUSICA - LAS 4 PLUMAS

2010-10-16T11:02:00.000-03:00

Excelente cuarteto formado los trombonistas Freddy Santamaría y Jorge Pataro. Ambos venían de integrar Los Pares Dobles, y Pataro había sido previamente miembro de Los 4 Bemoles y Los 5 Latinos. Sumaron otro trombón y un saxo, que según cuenta Pataro en el libro "Memorias del Jazz Argentino" de Ricardo Risetti, fueron Abel Larrosa y Carlos Goldberg.
En la foto y en algunas grabaciones aparece en cambio Eddie Pequenino en lugar de Larrosa. Grabaron en el sello Philips un LP a su nombre y aparecieron en "Nuevos Sonidos Para Bailar" y "Nuevos Sonidos Tropicales Para Bailar", compartidos con el Geval Trío, los Big Ben y La Marimba Sonora.
En todos ellos el acompañamiento está a cargo del conjunto Los Diablos, integrado por piano, guitarra, bajo y batería, sobre cuyos integrantes se agradecerá cualquier dato.
Las 4 Plumas se constituyeron en una novedad por su caracteristica de realizar movimientos coreográficos bajo la dirección de Héctor Estevez mientras tocaban, con la dificultad que entraña realizar pasos de bailes con los instrumentos.
Tuvieron exitosas presentaciones en TV y realizaron una gira por Venezuela, recomendados por Andy Russell al bolerista argentino Hugo Romani, que cumplia funciones de empresario en ese país. Después de un par de años el grupo se disolvió. Freddy Santamaría se consagró poco después como Mr. Trombone, Pataro se integró a la orquesta de Panchito Nolé y Pequenino fue volcándose más a la actuación.

MUSICA - LOS NOCTURNOS

2010-10-16T10:57:00.000-03:00

La primer formación estuvo integrada por Omar Martino (requinto), Enzo Peiret (guitarra y primera voz) y Juan José Bazzani (guitarra y segunda voz)
Enzo y Juan José eran amigos de la infancia en San Francisco, Córdoba. Comenzaron actuando en radios de su provincia hasta que en 1958 viajaron a Buenos Aires, donde se les unió Omar (hasta entonces guitarrista de tango) formando el trío Los Viajeros .

Al año siguiente ganaron un concurso para nuevas figuras y comenzaron a grabar para el sello Orfeo, donde registraron tres LP .
En los 60 cambiaron su nombre a Los Nocturnos y grabaron varios LP muy agradables para Music Hall, con algunas creaciones inolvidables como su versión de "Malagueña", donde podían apreciarse las cualidades vocales de sus integrantes.

Eran muy notables también los magistrales solos de requinto de Omar Martino. Grabaron luego para Disc Jockey y para RCA, donde registraron varios LP con la vocalista uruguaya Mara Lua.
Es importante destacar la notable participación del cantante Carlos Campos en una etapa muy interesante del trío.

MUSICA - MANTRA

2010-10-16T10:54:00.000-03:00

De una especie de fusión de diferentes grupos (The Dandy Boys, The Pockers) nace Mantra. Este recordado y famoso conjunto correntino se radicó en Buenos Aires y grabó para la Music Hall éxitos como: "Trinidad Tobago", "Saravah", "Música para tu piel de verano", "Recuérdame desde el primer momento", "Prisionero de mi amor" entre otros tantos. En las fotos aparecen "El gordo" Regúnaga (batería y voz"), Raúl Román (bajo), "El mono" Verón (guitarra), Raúl Díaz (teclados), Jorge Hernández (voz).

BIOGRAFIA - NINO BRAVO

2010-07-11T17:31:00.001-03:00

Nació en un pequeño pueblo valenciano, Ayelo de Malferit, pero se trasladó a Valencia a los pocos años. A los 16 años comenzó a trabajar en la joyería valenciana Casa Amat, en la que llegó a ser ascendido hasta maestro pulidor de diamantes.

Durante estos años compagina el trabajo con su afición al canto, fundando a finales de 1962 el conjunto "Los Hispánicos" con sus amigos Félix Sánchez y Salvador Aranda. El trío musical se hizo muy popular en el barrio de Sagunto, donde actuaron en numerosas presentaciones falleras, bailes y verbenas de la época, llegando a quedar finalistas en el concurso radiofónico nacional "Fiesta en España". Sin embargo, sus compañeros de grupo deciden que el mundo de la música no es lo suyo y disuelven el conjunto.

Luis Manuel no se da por vencido y crea el quinteto "Los Superson" junto con Salvador Pelejero, Vicente López y los hermanos Pepe y Vicente Juesas. Este conjunto será el que le acompañará en todas sus actuaciones hasta el final de su carrera artística. Sin embargo, deben hacer un paréntesis en sus actuaciones por el servicio militar de Luis Manuel, que cumple en la Marina de Cartagena. A su regreso se emplea en una oficina, y realiza su presentación como cantante solista en el Festival de la Canción de Vall Uxó en 1968.

Realizó sus primeras galas y un recital en el Teatro Principal de Valencia que sólo le reportaron pérdidas. Posteriormente, la casa discográfica Fonogram lo contrató por cuatro años. Su primer sencillo se grabó con canciones de Manuel Alejandro: Como todos y Es el viento. Acude al festival de la canción de Barcelona con el tema No debo pensar en ti, donde fue eliminado.

Pero en el verano de 1969, Augusto Algueró le dio Te quiero, te quiero, canción que por distintas causas, aún teniéndola grabada el cantante Raphael, la cantante Lola Flores y la actriz Carmen Sevilla no salieron al mercado. Nino consiguió con ella un éxito arrollador siendo elegida canción del verano. A Te quiero, te quiero le siguieron Noelia, Perdona, Mi gran amor, Esa será mi casa, Mi querida mamá, Voy buscando, Un beso y una flor, Libre, entre otras.

Participa en la selección para el Festival de Eurovisión en dos ocasiones. La primera es en 1970 con el tema Esa será mi casa, que no consigue llegar a la final que ganó Julio Iglesias con Gwendolyne (como curiosidad, las canciones son cantadas por dos intérpretes, Ésa será mi casa es interpretado también por Franciska). La segunda y más recordada es actuando en el programa de Valerio Lazarov Pasaporte a Dublín, donde queda en segunda posición. La cantante Karina fue la elegida.

El 20 de abril de 1971 contrae matrimonio en secreto con María Amparo Martínez Gil. Luego viaja a Buenos Aires donde actúa en el canal 9 de esa ciudad, en un programa especial, junto con el cantante de tangos Argentino Ledesma.

El 24 de enero de 1972 nace su primera hija, Amparo. Poco después edita su tercer álbum, titulado "Un beso y una flor", con el que obtiene gran éxito en España e Hispanoamérica.

En noviembre de 1972 participa en el Festival de la Canción de Río de Janeiro como representante español, donde logra empatar en el primer puesto con David Clayton-Thomas (Estados Unidos). La victoria le sería arrebatada injustamente por el presidente del jurado, Joseph Lee Zhito, que, al ser estadounidense, no podría haber votado por su propio país. Semanas después sale a la venta su cuarto álbum, titulado "Mi tierra", en el que se incluye uno de sus principales éxitos: "Libre".

El 14 de marzo de 1973 realiza su última actuación en Valencia, dentro del Parador 73 de las conocidas Fallas valencianas. Allí canta, por primera y única vez, el Himno de Valencia ayudado por el público asistente. Los granadinos Jardines de Neptuno acogerían poco después la que sería la última actuación del intérprete valenciano

Personajes - DON FULGENCIO - El niño eterno

2010-06-19T12:51:00.000-03:00

Creado por un maestro de la historieta como lo fue Lino Palacio, Fulgencio se asomó por primera vez al mundo el 24 de abril de 1938 desde el diario La Prensa, en una tira que llevaba por título “Señor Fulgencio (el hombre que no tuvo infancia)”, aunque poco tiempo después, en 1939, el “señor” cambió por “Don”.

Don Fulgencio era un personaje entrañable, un niño con cuerpo de hombre, un gran tímido que no tardó mucho en ganarse el cariño de los lectores del diario. Mucho tiempo después, Palacio, en un reportaje, contaría que para esta creación se inspiró en un hombre que vendía la Biblia en la calle Bolívar. “Era tremendamente solemne, y, desde chico, he odiado a la gente solemne por sobre todas las cosas. En casa éramos alegres y no se nos había educado ceremoniosamente. Me dediqué a espiar a ese hombre. Y siempre estaba igual, profundamente serio. Me preguntaba si era por vender un libro tan serio como la Biblia. Un día, el hombre iba por una calle cuando vio una caja de fósforos tirada en el piso, miró para todos lados y le dio un puntapié. Entonces, entusiasmado, siempre mirando para todos lados y sin advertir que yo lo observaba, la siguió pateando a lo largo de la cuadra. Yo pensé: ‘pobre, ése nunca tuvo infancia’", explicaba el dibujante.

Y tan popular se hizo su creación que poco tiempo después de su aparición en la página de humor del diario, los responsables del café Sorocabana le pidieron al historietista un afiche en el que el personaje recomendara la compra del producto. En pocos días, la enorme figura de Don Fulgencio inundó las calles de la ciudad, lo que desató la ira del director de La Prensa, que levantó al personaje de sus páginas.

Pero “el hombre que no tuvo infancia” no estuvo mucho tiempo sin poder compartir sus aventuras con sus seguidores. Palacio, entre muchas otras, aceptó enseguida una propuesta del diario La Razón y su exquisita creación apareció en las páginas de ese periódico y permaneció hasta 1978, año en que el gobierno militar del dictador Jorge Rafael Videla, le “pidió” al director del diario que levantara la tira Avivato, otra creación del autor, porque no dejaba una buena impresión del país en tiempos mundialistas. El historietista, una vez notificado, aceptó dejar de hacer la tira, pero también sacó de sus páginas a Don Fulgencio. A partir de ese momento este niño en cuerpo de hombre comenzó a aparecer en la revista Anteojito, y quizás haya sido en ese medio, donde las nuevas generaciones tuvieron la posibilidad de conocer a este peculiar personaje de la historieta argentina.

Por la tira desfilaron una gran cantidad de personajes secundarios que no hacían más que enriquecer la historieta. Los más recordados son sus sobrinos Tripudio, Sócrates y Liberata; su secretario Pitín; Radragáz, Fernendez, Rodolfo y Ursulu, quienes hablaban utilizando únicamente las letras “a”, “e”, “i”, “o” y “u”; sus novias Amapola y Ágata; su valet Toribio; el perro López; el loro Zaratrusta y la pequeña Ruth.

Don Fulgencio a la vanguardia

El 17 de octubre de 1945, día y año emblemático para la historia del país y del peronismo, apareció una nueva revista humorística: Don Fulgencio, cuyo slogan era “La revista para todos en la casa”. Más allá de que la atención de todo el país estaba puesta en los acontecimientos ocurridos aquel día y que los kioscos de diarios cercanos al centro de la Capital Federal cerraron, Don Fulgencio se agotó ese mismo día.

En la revista, además de las aventuras del aniñado personaje que le daba nombre al flamante medio, Lino Palacio publicaba otras historietas también de su creación como “Tripudio” y “Agapito y su sombra”.

Pero más allá del éxito inicial, este nuevo emprendimiento no tuvo larga vida. Llegó a publicar solo 36 números. Sucede que Palacio, para diferenciarse del resto de las publicaciones del mismo estilo, imaginó una revista de vanguardia, para toda la familia y en la que preponderara el humor absurdo, algo para lo cual la gente de aquella época, evidentemente, no estaba todavía preparada.

El hombre que no tuvo infancia for export

En la actualidad, esta genial creación de Lino Palacio, lejos de haber quedado solo en el recuerdo, sigue publicándose en diversos diarios de Latinoamérica, entre ellos El Nacional de Venezuela. Es una lástima que la Argentina, país que lo vio nacer, se prive de semejante personaje. Por eso, mientras esperamos, y ojalá no vanamente, que a algún editor se le “encienda la lamparita”, tendremos que conformarnos con el Don Fulgencio que, seguro, todos llevamos dentro. Es solo cuestión de dejarlo fluir.

JUEGOS - EL SEGELIN

2010-06-12T09:25:00.000-03:00

Segelin... Un simple aparatito para cortar figuras de telgopor.

Si se te iba la mano el Ratón Mickey podía quedar desorejado, Pinocho sin una mano.... despues de cortados habia que pintarlos.. y a decorar las paredes del dormitorio.
Uno de los mas lindos juegos que tuve , un hermoso recuerdo....

PROGRAMAS DE RADIO - LOS PEREZ GARCIA

2010-06-12T09:07:00.000-03:00

Por Radio El Mundo, de lunes a viernes a las 20.15, luego del "Glostora Tango Club" se escuchaba el clásico sonido del teléfono, al que siempre alguien contestaba diciendo "Sí amigos, esta es la casa de Los Pérez García". Era un radioteatro breve, con libro de Luis María Grau, donde cada capítulo duraba quince minutos, a los que había que descontar algunos minutos de la presentación y los cortes publicitarios, así que habrán sido unos diez minutos en total de desarrollo argumental. Sin embargo esos pocos minutos bastaban para que cada día sucedieran unas cuantas cosas. La trama se desarrollaba en el curso de la semana y cada viernes llegaba el epílogo de la historia, cuyos cinco episodios sumaban cerca de una hora. En la época a la que me refiero (mediados de los 50) eran auspiciados por Sydney Ross, para sus productos Mejoral, Leche de Magnesia Philips y Pildoras Ross ("chiquititas, pero cumplidoras").

Los intérpretes formaban parte del elenco estable de Radio El Mundo. Martín Zabalúa interpretaba a "Don Pedro", jefe de la familia, y Sara Prósperi a su esposa, "Doña Clara". Los hijos de ambos eran representados por Pepita Férez como "Luisa" y Jorge Norton en el papel de "Raúl". Julián Bourges personificaba a "Tito", esposo de "Luisa", y Nina Nino a "Mabel", novia de "Raúl". Emilio Comte era "Cachito", hijo de "Tito" y "Luisa", y luego se agregó Laura Bove personificando a "Alicita", la hermana de "Cachito", de cinco años de edad. Gustavo Cavero era "Castilla", compañero de trabajo de "Don Pedro" y amigo de la familia, y Esperanza Otero hacía el papel de "Catalina", esposa de "Castilla". Alfredo Marino representaba a "Juan", un hermano de "Don Pedro" que solía meterse en líos y al que había que ayudar a salir de ellos. Luego de la muerte de Martín Zabalúa este personaje sentó cabeza y se convirtió en "el tío Juan", que no suplió la figura de "Don Pedro" pero aportaba su experiencia junto con "Doña Clara".

Martín Zabalúa tenía una voz profunda y grave, y solía tener a su cargo los finales de cada historia con palabras basadas en lo sucedido que dejaban una enseñanza, a manera de moraleja. Los personajes se comportaban como los de una familia común, y eso era lo que más gustaba a los oyentes, porque se sentían identificados. Era una familia que trataba de vivir de acuerdo con las buenas costumbres, y siempre las decisiones que se tomaban tenían esto en cuenta, lo que también era apreciado por la gente, que seguía las mismas normas de vida. "Castilla" solía intentar negocios para hacerse rico, que siempre terminaban mal, y algunos de sus dichos eran "cualquier cantidad", "póngale la firma", o "hay que estar en la pomada".

Un ciclo tan largo como tuvo este programa (desde 1940 hasta 1969) no se puede resumir en tan pocos párrafos.
ELENCO DEL RADIOTEATRO:

MUSICA - BARBARA Y DICK

2010-06-12T08:50:00.000-03:00

Este famoso dúo compuesto por Bárbara Virginia Bourse (Bárbara) y Fernando Sustaita (Dick), sorprendieron a partir de su lanzamiento por su naturalidad, destacable y la sencillez que los caracterizó.

Bárbara nació un 19 de Diciembre en Buenos Aires. Su padre,Teodoro Bourse Herrera (1914-1997) fue un reconocido artista plástico, retratista, escultor y periodista. Su madre, profesora de coros, donde Bárbara desde muy chica integro uno de ellos.

Dick nació un 5 de Febrero, en Buenos Aires. Su padre, Hector Sustaita Seeber, fue Diputado Nacional por el Partido Peronista entre 1946 a 1949, fue intendente de San Isidro, Gobernador de la Provincia de Corrientes, Presidente del Club Atletico Tigre y Presidente del Circulo de Legisladores. Falleció en 1977.

Bárbara conoce a Fernando a través de un familiar de él, amigo en común, Juan Cruz Martín Grondona ,con la idea de formar un trío.

Bárbara pertenecía ya al coro de la Capilla San Pío X de Olivos y el gusto por la música fue compartido inmediatamente por Fernando, (Dick), típico muchacho de San Isidro, cantor en guitarreadas.

En 1965, quien los había presentado desiste del proyecto al poco tiempo, había ingresado a la facultad de derecho. Antes de dejar el trío, habia sido tomada una prueba en la RCA, compañía discográfica para la cual ByD grabaron en casi toda su carrera.

Como cosa del destino, son convocados sólo Bárbara y Fernando para crear el dúo, que poco tiempo después serían "Bárbara y Dick", produciéndolos Mario Pizzurno ,descubridor de conocidos conjuntos y solistas de aquella epoca.

Su primera presentación profesional fue en el verano de 1966, en el“Festival internacional de la canción” en Mar del Plata, aclamados por una multitud, compartieron el escenario con Jimmy Fontana, José Feliciano, Los iracundos y demás artistas, nacionales e internacionales.

El dúo tenía un gran atractivo musical y visual, fotogénico, carismáticos y diferentes. De perfil bajo, fieles a sus convicciones y comprometidos por lo solidario.

Con grandes sucesos como el "Funeral del Labrador", “Facundo”, "Malaika", "Sunny", “ La Balada de Bonnie y Clyde”, “Facundo”, "Ámame, me gusta amanecer en tí", "Respirando", "Adios se vá", "Cuando amanece te vas" , uno de los dobles mas vendidos, “California somnolienta”, “Michelle”, “Guantanamera” y “Agente secreto”, acompañados por los legendarios Iracundos.

El Funeral del labrador, es editado en España e Italia
simultáneamente, en el idioma de origen de cada país, el difundido era en su origen en un dialecto portugués. Aparecieron en programas de gran aceptación popular como "La Galera","Sábados circulares", "Modart en la noche", programas periodísticos….etc.

La trascendencia internacional fue inmediata, la repercusión en Europa en tiempos que no era fácil llegar, además de países de latinoamerica.

Merecedores de dos discos de oro e innumerables distinciones. Intervienen en el “Festival de Viña del mar” en 1969, a su vuelta deciden separarse por primera vez ante el asombro del publico, en pleno éxito.

BARBARA Y DICK - EL FUNERAL DEL LABRADOR

Barbara y Dick - Respirando

Barbara y Dick - Amame me gusta amanecer en ti

En Octubre de 1971, se unen, vuelven a figurar en los rankings de venta. La gente no los había olvidado.Graban un LP para niños y tienen un programa propio, (Canal 13), "La tarde de Barbara y Dick."

En 1980 participan en la película "Locos por la música".En 1983 es su último trabajo discográfico para la CBS. A pesar de haber realizado una producción independiente en 1997, con la música de las comparsas del carnaval Correntino que se conoció a nivel local.

En 1997 son convocados al “Festival Cosquín de la canción”, con anterioridad habían actuado en el pre Cosquín y pos Cosquín.

Considerados baladistas latinoamericanos, fueron muchísimos los festivales folklóricos a los que fueron invitados, uno de los últimos el Festival del chamamé de Corrientes.

Siguen presentándose hasta 1998 y casi como despedida lo hacen en las fiestas patronales de San Isidro labrador, lugar tan familiar para ellos, zona y cercanía donde vivieron toda su vida.

Bárbara realiza 2 LP y dos simples como solista, Dick llega a grabar tres simples.

Él decide alejarse de los escenarios, cumpliendo lo pactado entre ambos, cuando alguno de los dos no se sienta plenamente feliz de poder trasmitir, se retiraría, él eligió, tambien un sueño compartido, una vida retirada en medio de la naturaleza.

Fueron ovacionados por varias generaciones que aún los tienen presentes. Incansables, con tantas giras realizadas, recorriendo el país de punta a punta, inclusive países de Latinoamérica donde aun siguen vigentes.

Bárbara hace varios años, toma la posta, recibe en sus presentaciones el mismo éxito y cariño de siempre. Realizando giras por el interior del país, Ecuador, Colombia, Estados Unidos, recorriendo caminos recorridos y ganando otros a los que nunca habían llegado.

DISCOGRAFIA:

Bárbara y Dick con los niños (1976)

Grandes y Dick (1966)

Bárbara y Dick (1967)

Bárbara y Dick (1968)

Bárbara Éxitos de Bárbara y Dick (recopilación) (1977)

Bárbara y Dick (1978)

Bárbara y Dick (1979)

Serie de 20 éxitos (2000) Sony-BMG

20 Secretos de amor (2002) Sony-BMG

SERIES - Starsky and Hutch

2010-06-12T08:18:00.000-03:00

Quien no recuerda esta simpática serie de los años 70, donde sus protagonistas son dos personajes muy diferentes pero que se complementan y pareciera que no pueden existir uno sin el otro, que luchan contra el crimen sin tener en cuenta las buenas maneras y las leyes en caso necesario. Son intrépidos y valientes, se mueven por los barrios bajos de Los Angeles en un Ford Torino de 1975, rojo con una característica franja blanca.

Paul Michael Glaser es Starsky, de pelo negro rizado,con una gran energía y buen humor, es franco y directo, suele vestir de forma informal y muy descuidado en su alimentación, además es el flamante propietario del Ford Torino.

Su compañero y amigo es Hutch, David Soul, rubio y elegante, es vegetariano y mucho más irónico y serio. Cuentan con la colaboración de un soplón, un afro americano llamado Huggy Bear, dueño de un bar encarnado por el actor Antonio Fargas.

Con numerosas persecuciones y escenas de acción, mezclados con momentos de humor, y con la presencia de atractivas mujeres.

Reparto:

Paul Michael Glaser: Detective Sgt. Dave Starsky

David Soul: Detective Sgt. Ken “Hutch” Hutchinson

Bernie Hamilton :Captitan Harold Dobey

Antonio Fargas: “Huggy Bear” Brown

Creador: William Blinn

Producción Ejecutiva: Leonard Goldberg y Aaron Spelling

Estudio :Spelling-Goldberg Productions

Género: Acción

Fecha de estreno en USA: 10 de septiembre de 1975

Lugar de rodaje: Los Angeles (California)

Temporadas: 4

Episodios: 93

PROGRAMAS DE RADIO - EL GLOSTORA TANGO CLUB

2010-05-28T14:43:00.000-03:00

Se emitía por LR1 Radio El Mundo y su Red Azul y Blanca de Emisoras Argentinas, de lunes a viernes a las 20.00. Lucía Marcó y Rafael Díaz Gallardo presentaban este programa, que en 1954, y durante muchas temporadas contó con la participación de la orquesta de Alfredo de Ángelis. Ese año los cantores eran Carlos Dante y Oscar Larroca.
Aunque era una orquesta muy apreciada por los bailarines, porque su ritmo constante y bien marcado facilitaba mucho llevar el compás, tambièn era buena su calidad interpretativa, tanto en los temas instrumentales como en los cantados.
Ambos cantores se complementaban muy bien con la orquesta, tanto en sus interpretaciones como solistas o cuando cantaban a dúo. Temas como "La brisa", "Bésame en la boca", "Con la otra", y "Carillón de la Merced", en la voz de Carlos Dante, o "Zorro gris", "Como nos cambia la vida", "Volvamos a empezar", y "Almagro", cantados por Oscar Larroca, fueron algunas de las piezas más exitosas en esa época.
En cuanto a los temas instrumentales se pueden citar "El amanecer", "Fuegos artificiales", "Pavadita" y la inolvidable versión de "La cumparsita", una de las mejores para mi gusto.

¿Qué era Glostora?

El auspiciante era la empresa Sydneys Ross S. A. y el programa tomó el nombre de uno de sus productos, Glostora, que era una "brillantina" para el cabello a base de aceite de petróleo coloreado y perfumado, por eso el anuncio decía que "tan solo cuatro gotitas harán relucir su cabello y lo mantendrán bien peinado todo el día".

La competencia eran la "Brillantina Palmolive", a base de aceite de oliva, y "Ricibril", con aceite de ricino. La "Glostora sólida" era en realidad una gomina, un fijador "con auténtica goma tragacanto de Persia", y que no debe confundirse con la brillantina, que como su nombre lo indica era para dar brillo al pelo, y no para fijar el peinado, aunque al lubricar el pelo contribuía a mantenerlo armado.

En el diario “El Mundo” del lunes 1º de abril de 1946, puede leerse un importante aviso dando cuenta de la presentación, a las 20 horas de ese día, del maestro Alfredo De Angelis y sus cantores Carlos Dante y Julio Martel en un nuevo programa:

“El Glostora Tango Club“,

dedicado “a la juventud triunfadora”.

MUSICA - LOS DE FUEGO

2010-05-28T13:25:00.000-03:00

Dice la leyenda que el grupo Los Caniches de Oklahoma grabó un demo con un tema de Sandro, que llevaba el sugestivo título de "Comiendo rosquitas calientes alrededor de Puente Alsina". En 1962 Los Caniches de Ok1ahoma se convirtieron en Los de Fuego. Durante un tiempo el cantante fue el bajista Héctor Centurión, mientras Roberto era la primera guitarra. Lo otros integrantes eran el baterista Armando “Cacho” Quiroga, Miguel “Lito” Vázquez en guitarra rítmica y Carlos Ojeda en piano o percusión.

Son muchos los que aseguran haber presenciado presentaciones de estos grupos en diversos lugares del Gran Buenos Aires, pero las versiones suelen ser contradictorias o exageradas. Se habla de una actuación en la que un grupo de tangueros destrozó los instrumentos del grupo, de un recital en el Luna Park en la que fueron obligados a retirarse del escenario a fuerza de monedazos, etc. Lo concreto fue que en una de esas presentaciones realizada a fines de 1962, probablemente el 6 de Diciembre, Héctor se quedó sin voz y Sandro ocupó su lugar, con excelente repercusión en el público.

Durante una actuación en el club Bomberos Voluntarios de Ramos Mejia los escuchó Mario Naom, representante de Jackie y Los Ciclones, que les consiguió en 1963 la ocasión de grabar "en serio". CBS probó al grupo y decidió darle una oportunidad... a Sandro, como solista. El 13 de Septiembre registró un simple con las versiones castellanas de "¿A esto le llamas amor?" (de Paul Anka) y "Eres el demonio disfrazado" (gran éxito de Elvis), acompañado por Milo (seudónimo de José Carlí) y su Conjunto. El disco pasó desapercibido.

Grabó luego dos hermosos temas: "Bésame Pronto", otro hit de Elvis (que registró en la misma época Johny Tedesco en RCA) y "Choza de Azúcar", éxito de Jimmy Gilmer & The Fireballs. Ambos fueron incluidos en el EP "Presentando a Sandro", cuyo título y diseño sirvieron para el CD, que incluye los dos temas en sus versiones originales y en versiones stereo inéditas. Completaban el EP "¿A Esto le Llamas Amor?" y "Polka Rock".

Tras mucho insistir, Sandro logró convencer a los directivos de CBS para grabar con Los de Fuego, que habían tenido varios cambios de integrantes. El 28 de Febrero de 1964 Juan José Sandri (guitarra), Enrique Irigoytía (guitarra rítmica) Héctor Centurión (bajo) y Sandro (voz) grabaron su primer tema como Sandro y los de Fuego: "Hay Mucha Agitación" (el célebre Whole Lotta Shakin' Goin' On que consagró a Jerry Lee Lewis).

Fue publicado en un simple con "Las Noches Largas", tema italiano popularizado por Adriano Celentano, y ambas canciones se incluyeron en el EP "Al Calor de Sandro y los de Fuego" (posteriormente título de su segundo LP), con "Twist de Mama Gansa" (de Teddy Randazzo) y "Viajero Solitario", un tema folk no muy difundido, con versiones del Kingston Trio y de The Weavers.

Sandro y los de Fuego 1965 "Hablando de Ti"

Tema de Chuck Berry interpretado por Sandro y los de Fuego, grabado en 1965 e incluído en el 2° LP del grupo: "Al Calor de Sandro y los de Fuego"

PROGRAMAS TV - FELIZ DOMINGO

2010-05-15T09:06:00.000-03:00

Feliz Domingo era un programa que se reinventaba conforme pasaban los años. Su origen fue casual, ya que el ciclo comenzó siendo netamente dirigido hacia los adultos (Domingos de mi Ciudad), conducido por Orlando Marconi y producido por Gerardo Sofovich.
Luego, en 1970 con la entrada de Silvio Soldán y un hecho curioso , el programa tuvo como objetivo al público adolescente y comenzó así el rodaje de Feliz Domingo para la Juventud.
A mediados de los '70, Marconi deja su lugar para conducir Tardes de Marconi , por Canal 11, y el conductor principal pasa a ser Silvio Soldán, en este caso acompañado por un joven Leonardo Simmons.
Tenía varios paneles en donde los chicos, sentados, respondían preguntas de interés general hasta quedar eliminados. El colegio que ganaba la jornada obtenía un viaje a Bariloche.
Con el correr de los años, Simmons fue ganando espacio propio y se alejó para ir a ATC (luego volvería a Canal 9) dejando su lugar a Carlos Iglesias en 1980. Pero fue efímero lo de Iglesias ,fue raro su alejamiento.
En 1981 llega Jorge Rossi y el programa gana en dinamismo. Rossi estará hasta 1986 cuando llegará Marcelo Dos Santos, pero éste, luego de dos años se dedicará a la actuación y dejará su lugar para que en 1988 lo ocupe Jorge Formento, locutor del Canal. La locutora Silvia Merello estuvo un tiempo también en la conducción.
Durante estos años, coincidentes con el esplendor de la era Romay (que comenzó en 1984), se desarrollaron prendas (pruebas) interesantes e inolvidables como: "Pido la palabra", "Los Mareados", "Yo Sé", "Camino al Oscar", "Ping Pong de Preguntas y Respuestas", "Poemas de Amor", "Múltiplos", "Fórmula goma" y tantas más.

Un detalle que cobra valor con el tiempo, consiste en la enorme cantidad de artistas musicales que se presentaron en el ciclo. También hay que destacar que Feliz Domingo tuvo más de un disco en venta. El primero, con Orlando Marconi en la tapa, tenía temas como: El Cumbanchero, Samba pa ti, El Relicario, Esclavo y amo, entre otros. Y muchos años después, llegaría otro Lp, con la variante del cassette, esta vez con bandas como Virus, Sumo y Soda Stereo.

El Cofre de la Felicidad era, según proclamaba Soldán, "La emoción mayor de la televisión Argentina". Todos los ganadores de la jornada representando a su colegio, elegian una llave y solamente una abría una especie de caja blindada que contenía el viaje a Bariloche. Una vez Soldán se alegró porque el premio lo habían obtenido unos chicos de escasos recursos, que habían hecho un enorme esfuerzo para poder viajar a Buenos Aires, y como demostración, en el momento que abrió el cofre pegó un salto hacia arriba. Este hecho luego quedaría de modo permanente en dicha final.
Había algunas prendas en las cuales los jóvenes (y los televidentes) "peleaban con el jurado". El mismo estaba integrado por el escribano Carlos Alberto Prato Murphy, el Dr. Arnoldo Marino, Ulises Petit de Murat, el Profesor Candial, el Profesor Averna y Roberto Tálice. Quien por lo general "hacía de malo" era el Profesor Candial.
Otro clásico eran los festejos de cumpleaños con las tortas de "El Tío Aquiles", una confitería que patrocinaba al programa.
Hubo una interrupción en 1994, allí se retiró Silvio Soldán. Con el correr del tiempo, acompañaron en la conducción: Iván Velazco, Marcelo Medina, Carolina Fernández Balbis, Pablo Codevilla, Moira Gough, Lisandro Carret (hijo del legendario "Pato") y Pablo Marcovsky. En 1998 finalizó el programa y volvería efímeramente en 2005, con la conducción de David Cablín y Carla Conte (Silvio sólo conducía el Ping Pong).

SERIES - EL LLANERO SOLITARIO

2010-05-15T08:49:00.000-03:00

El Llanero Solitario: Uno de los personajes televisivos más populares fue sin duda alguna el Llanero Solitario, creado en 1933 por George Trendle para la radio. Clayton Moore protagonizó la mayoría de los 221 episodios de 23 minutos presentados a lo largo de varias temporadas entre 1949 y 1957. John Hart interpretó el papel entre 1951 y 1953 a lo largo de 26 episodios.

Jay Silverheels fue su fiel compañero Tonto (Toro para el mercado latinoamericano). El Llanero Solitario era realmente un Texas Ranger llamado John Reid, que fue el único superviviente del ataque de Butch Cavendish y su pandilla. Curado por Toro (ellos habían sido amigos en la infancia), Reid juró ayudar a cumplir la justicia del oeste portando una máscara (inicialmente para infiltrarse en el grupo salvaje de Cavendish). Armado con revólveres que disparaban balas de plata que podían herir pero nunca matar, cabalgaba sobre Silver (Plata) su fiel caballo, mientras que Toro lo hacía sobre Scout. En la última temporada Chuck Courtney fue enrolado como el hijo del Llanero, Dan Reid.

Usualmente el dúo acampaba lejos de la cuidad, pues eran confundidos por bandidos a causa de la máscara del Llanero. Era común que Toro marchase a la ciudad haciéndose pasar por un piel roja común y corriente para oír por casualidad los planes de los villanos de turno. O también que el Llanero se disfrazase con el mismo objetivo (con lo cual se tenía que desprender de su máscara). Así aparecieron personajes como el Viejo, un inmigrante sueco; José, un bandido; Don Pedro O'Sullivan, un irlandés mexicano y el Profesor Horatio Tucker, vendedor de medicinas milagrosas.

El éxito de la serie fue tan grande que sirvió para estrenar dos películas en la pantalla grande y dio lugar a una serie de dibujos animados emitida entre 1966 y 1969. Además posibilitó que Clayton Moore se retirase del cine y de la TV en 1959 para dedicarse a hacer apariciones públicas caracterizado como su personaje. En 1979 Lone Ranger Television Inc., subsidiaria de Wrather Corporation, logró mediante la vía legal, suspender estas presentaciones para allanar el campo sobre el filme que se estrenaría al año siguiente. Moore sin embargo recuperó su derecho en 1985.
Clayton Moore: Jack Moore nació en Chicago, Illinois, el 14 de Septiembre de 1914. Tempranamente, a partir de los 8 años, se convirtió en acróbata circense trabajando como equilibrista en dos circos antes de aparecer en la Feria Mundial de 1934. Más tarde pasó a trabajar en New York y en 1938 comenzó a dedicarse a ser doble de riesgo en filmes de acción. En 1940, a sugerencia del productor Edward Small, cambió su nombre por el de Clayton Moore, comenzando a ser llamado para papeles menores en westerns y aventuras de clase B a partir de 1940. Luego de la guerra siguió interpretando todo tipo de papeles en filmes de acción y seriales cada vez más importantes: en Jesse James Rides Again (1947) interpretó el papel de James, el cual repetiría al año siguiente en Adventures of Frank and Jesse James (1948).

1949 sería un año importantísimo para Moore, quien interpretó a un héroe enmascarado en Ghost of Zorro. Más tarde fue contratado para el papel principal en una serie acerca del Llanero Solitario, versión de un popular programa de radio que llevaba más de una década de emisión exitosa. Durante algunos años la celebridad de Moore (y la de Jay Silverheels, el indio Tonto, fiel compañero del Llanero) se extendió a nivel mundial. Pero una disputa salarial en 1952 determinó que Moore fuese despedido y en su reemplazo entrase John Hart. Hart no tuvo el magnetismo de Moore y luego de una temporada estaba liquidado. En tanto Moore regresó al cine de acción, en seriales de aventuras y westerns. Pero los productores ofrecieron al actor un sueldo mayor y el regreso no se hizo esperar. Hasta 1957, cuando la serie se canceló, 169 episodios fueron filmados y como resultado Clayton Moore se convirtió en el más popular cowboy salido de la pantalla chica (hubo versiones del Llanero Solitario en la pantalla grande, pero no alcanzaron la repercusión de la serie televisiva).

Clayton apareció en dos filmes acerca del personaje: The Lone Ranger (1955) y The Lone Ranger and the Lost City of Gold (1958). Luego del final de la serie el actor se retiró del cine y se dedicó mayormente a presentarse en todo tipo de eventos como el Llanero Solitario (Clayton Moore es el único actor que figura en el paseo de las estrellas de Hollywood con su nombre y con el de su personaje de ficción). Estas apariciones comerciales se extendieron a lo largo de dos décadas hasta que la compañía dueña de los derechos del personaje, Wrather Corporation, en 1975, inició un juicio a Moore para suspender estas presentaciones. El motivo era que planeaban producir un filme acerca del Llanero Solitario y no querían que la imagen del popular héroe fuera confundida con la del viejo actor (que contaba ya más de 60 años). Como resultado Moore perdió el juicio y aunque siguió participando en eventos y convenciones, tuvo que precindir de la máscara. El filme fue estrenado en 1981 y pasó desapercibido. Así que Moore apeló y en 1984 consiguió ganar el juicio y regresar a su máscara.

Jay Silverheels: Harold Smith nació el 26 de Mayo 1919. Fue jugador de Lacrosse (una especie de juego de pelota) y boxeador antes de entrar en el negocio del cine como doble de riesgo en 1938. Trabajó en varios filmes durante los años '40 hasta que ganó alguna notoriedad como un rufián en el filme Key Largo (Cayo Largo, 1948) el cual era protagonizado por Humphrey Bogart. La mayor parte de sus roles eran apariciones de extra como 'indio'. En 1949, luego de una labor en The Cowboy and the Indians junto al actor de filmes clase B Clayton Moore, sería contratado para el papel de Tonto, el fiel compañero indio del Llanero Solitario en la exitosa serie que se extendió entre 1949 y 1957. Jay tuvo una celebridad mundial (más de la que alguna vez había soñado) acompañando a Moore no solo en los episodios de la serie sino también en dos películas cinematográficas en color y numerosas presentaciones comerciales a lo largo de décadas. Gracias a esta fama pudo convertirse en portavoz de los intereses de los indios para mejorar el status de los mismos para la TV. Luego del final de la serie, Silverheels siguió atado a su papel y en las siguientes dos décadas apareció en pocos filmes, mayormente en papeles de indio. En 1971 el actor cambió su nombre original al artístico. Falleció en 1980.

EN CASTELLANO:

Mr Roll y sus Rockers (Eddie Pequenino)

2010-05-08T06:41:00.000-03:00

Esta banda, liderada por Eddie Pequenino, fue una de las primeras en grabar rock'n'roll en la Argentina. Sus covers de los temas de Bill Haley, "Rock around the clock", "See you later, aligator" y "Mambo Rock", vendieron más copias en la Argentina que las originales. El pianista del grupo era Lalo Schifrin, quien años más tarde se radicaría en Estados Unidos y se haría famoso componiendo bandas sonoras de películas y series de televisión. En mayo del '58 se presentaron como teloneros de Haley, en el teatro Metropolitan de la Capital.

TELENOVELAS - Los Ricos también lloran(1979)

2010-04-24T07:26:00.001-03:00

Era 1979 y en toda la historia de la televisión mundial sólo un programa que se emitió durante largos meses atrapó ala teleaudiencia de todas partes del mundo.
Los Ricos tambien lloran fue la telenovela que más se ha visto a nivel mundial, ha sido traducida hasta en japonés y árabe y sobre todo acaparando todos los ratings de sintonía. Me acuerdo que a las ocho de la noche todos estaban o trataban de estar en sus casas par ver como Verónica Castro se iba convirtiendo de a pocos en una gran señora, algo parecido a lo que sucedió con nuestra "Natacha" sino remasterizada. Hablemos algo de historia y retrocedamos 28 años atrás...

Los ricos también lloran fue una telenovela mexicana producida y emitida por Televisa en 1979, que supuso uno de los mayores éxitos de audiencia de la historia del género.

Fue producida por el famoso productor de telenovelas Valentín Pimstein, con la colaboración de José Alberto Castro, hermano de la protagonista, Verónica Castro quien se convirtió en una celebridad a escala mundial gracias a esta producción. El director fue Rafael Banquells.

La telenovela, basada en una radionovela original de la escritora cubana Inés Rodena, fue escrita y adaptada por María Zarattini en su primera etapa. Tras el apabullante éxito de rating, Valentín Pimstein decide alargar la historia. Zarattini se rehúsa a estirar la trama, aduciendo que ésta no da para más, y presenta su renuncia. En su reemplazo, Pimstein convoca al escritor venezolano nacionalizado mexicano Carlos Romero, quien le propone una audaz e insólita idea: empalmar a la historia original de Rodena otro argumento de la misma autora, para así asegurar un alargue con más sucesos, y mantener el interés del público.

Hay que considerar a Verónica Castro como una actriz nobel que se consagró con su debut protagónico que después le demandó muchas satisfacciones al actuar en "Rosa Salvaje" y en "El Derecho de Nacer".

El reparto principal era :

Verónica Castro - Mariana Villareal
Rogelio Guerra - Luis Alberto Salvatierra
Christian Bach - Joanna
Rafael Banquells - Padre Adrián
Rocío Banquells - Esther
Augusto Benedico - Don Alberto Salvatierra
Guillermo Capetillo - Beto
Ada Carrasco - Felipa

SERIES - EL AVISPON VERDE

2010-04-24T06:58:00.000-03:00

Titulo original: The Green Hornet

Categoría: Acción

País: Estados Unidos

Año: 1966

Temporadas: 1 Temporadas

Episodios: 26 Episodios

Duración: 30 Minutos

Personajes:

Bruce lee - Kato

Van Williams – El Avispon Verde / Gordon Jones

Un intrépido editor periodístico (Gordon Jones) se lanza en una cruzada personal contra el crimen y la delincuencia, a través del disfraz de "el Avispón Verde" y acompañado de su inseparable chofer Kato.

El avispón verde es un personaje creado por George W. Trendle y Fran Striker (Creadores también de El llanero solitario) para un serial de radio en 1936. Esta versión televisiva, en concreto, que data de 1966, fue distribuida en forma de película (en tandas de 3 capítulos) por el Mundo tras el éxito de Bruce Lee.

La idea original de El avispón verde es muy sospechosa. A primera vista, si uno ve esta serie y recuerda la serie Batman de 1966, se dará cuenta de que la forma y el desarrollo son exactamente iguales; incluso las geniales cortinillas que separan unas escenas de otras son un calco. Inspirada por el èxito de la serie de Batman en los 60, ABC produjo para televisión El Avispón Verde, basada en la serie radial de 1936 del mismo nombre, e presentó al maestro de artes marciales Bruce Lee al público televisivo.

Esta serie contaba las aventuras Britt Raid, quien heredó el periódico El Centinela Diario, en Washington D.C. A través de este medio, y bajo la identidad secreta “Avispón Verde”, hace cumplir la justicia en las calles oscuras de la ciudad. Algo interesante del personaje es que Britt Raid es el nieto del famoso “Llanero Solitario”, otro personaje famoso de ficción. Pero ahí no acaba la cosa; por enumerar semejanzas entre Batman y El avispón verde, se puede decir que ambos personajes son ricos, ambos carecen de superpoderes, ambos tienen un compañero y ambos usan artilugios para combatir. Si alguien piensa después de ésto que El avispón verde puede ser una copia de Batman, que vuelva a pensárselo, porque el primero data de 1936 y el segundo de 1939. En la serie de 1966 ambos personajes se cruzan en dos capítulos en los que El avispón verde llega a Gotham City.

La serie mostraba al auto del Avispón Verde, la “Belleza Negra”, un Crysler Imperial de 1965 altamente modificado. El tema musical “El vuelo del abejorro” se identificó tanto con este personaje que fue mantenido como tema musical. En la película Kill Bill, de 2003, hay una secuencia que presenta este tema, así como un tributo a la serie (Kato), al presentar docenas de luchadores usando las máscaras de este personaje.

Para junio del 2010 se tiene pensado el estreno de la película basada en esta serie. Hasta donde se sabe ya estan rodando y en donde Stephen Chow quien se encargará de la dirección de la película y además interpretara a Kato, papel que en la serie fue llevado a la vida por Bruce Lee.

PERSONAJES - FIRULETE Y CAÑITO

2010-04-24T06:46:00.000-03:00

Todo comienza en la Capital Federal, mas precisamente en el barrio de Mataderos, donde nace el 26 de Junio de 1923 Gerardo Roberto Samaniego, quien con los años sería conocido por su nombre artístico: “FIRULETE”. Hijo de Doña Matilde Braulia Samaniego y apodado desde muy pequeño “RULO”, fue el último hijo de siete hermanos, cinco mujeres y dos varones.

Por aquella década del 20, su hermana mayor, Carmen, que era actriz, trabajaba en un Circo Criollo, que eran los circos de aquella época y que pertenecía a Jaime Jose Gelabert. En el circo criollo el espectáculo de circo se realizaba en la primera parte y luego del intervalo, en la segunda parte, se representaba una obra de teatro y es allí en las obras de teatro donde su hermana trabajaba. Luego con el tiempo esa hermana se casa con dueño del circo, que posteriormente con los años sería el suegro de Firulete, ya que Geraro se casaría con una de las hijas del primer matrimonio de don Jaime Gelabert.

Desde muy pequeño entonces Gerardo comenzó a frecuentar la vida del circo, disfrutaba viendo la actuación de los payasos, lo divertían mucho, hasta que a los 9 años comenzó a trabajar en el circo y como le tenía miedo al público trabajaba con la cara pintada. Su primera actuación fue en un número acrobático y por supuesto comenzó a hacerlo con el nombre de fantasía: FIRULETE.

Como siempre fue un niño muy inquieto y que constantemente estaba haciendo bromas, su tía Pepa le decía que se parecía a un Firulete, que siempre andaba firuleteando, entonces el día del debut Jaime José Gelabert (hijo) que era un chico también y se habia criado con Gerardo propuso que el mismo artísticamente se llamara FIRULETE y desde entonces, desde el mismo día de su debut nunca mas lo abandono. El número artístico lo realizaba conjuntamente con Ernesto Racedo que tenía como nombre artístico “SANTIAGUITO”, con él también se crió desde chico en el circo. FIRULETE y SANTIAGUITO conformaron una popular pareja de payasos que duramte mucho tiempo hizo divertir a generaciones de chicos.

Con los años Gerardo se puso primero de novio y después en 1945 se casó con Rosa Gelabert, que como se ha mencionado anteriormente era hija del primer matrimonio de Jaime Jose Gelabert. De esa unión nacieron 3 hijos: Carmen de las Mercedes, Gerardo Roberto y Jaime Jose quienes también con los años han tenido participación artística trabajando al lado de su padre.

La larga trayectoria televisiva de Firulete comienza en 1958, cuando la televisión también estaba dando sus primeros pasos. El primer programa en el que participa se llamaba “Ahí viene el Circo” que se transmitió por el viejo Canal 7 de la calle Viamonte y Leandro N. Alem. Este programa fue conducido por Nelly Prince y el negro Brizuela Méndez. Su actuación en el programa fue a Bolos y lógicamente acompañado por Santiaguito. Después llegó le siguieron también por Canal 7. “El Circo Refrescola” y “El Show del mediodía”.

Entre 1963 y 1965 trabaja en Canal 11 en “Circo 11” y posteriormente comienza a participar en la serie de programas que lo ligó al Sr. Garcia Ferré. Esta serie de programas arranca con “El Club de Anteojito” y al mismo tiempo “El Saber de los Niños” que iba los días Sábado y era conducido por Ernesto Lerchundi.

En el año 1967 deja de trabajar con su inseparable compañero Santiaguito y comienza a formar la nueva pareja artística con su hijo Gerardo, cuyo nombre artístico pasó a ser Cañito. Esta nueva dupla artística también es de reconocida trayectoria y se mantiene hasta la actualidad desde ese año. Entonces “Firulete y Cañito comienzan, con un contrato en exclusividad que García Ferré les hace firmar para con él, en el programa “El Club de Hijitus” el cual duró 5 años y medio.

A partir de 1973 y hasta 1977 trabajan en “El Mundo de Calculín”, “Competencia” y “El Club de Anteojito y Antifaz”.

En los primeros meses de 1978 participan en el programa “El Tio Porcel”, con Jorge Porcel en Canal 11, y en Agosto de ese mismo año y hasta 1980 comienzan en el viejo Canal 7 todavía, “El Show de Leo y Lio” conducido por Adolfo Casini.

En 1982 y 1983 participan en Canal 9 del programa “Hola Julieta” que conducía Julieta Magaña.

Luego de esto solo tuvieron algo de continuidad en el programa de Tato Bores “Good Show”, ya que en el resto de los programas en que trabajaron solo tuvieron intervenciones esporádicas, estos programas fueron “Fair Play” en Canal 11, conducido por Fernando Bravo; “360” en Canal 13, conducido por Julian Weich; “Decime Cual es tu Nombre”, conducido por Pablo Codevila; algunos programas en “Cha Cha Cha” con Alfredo Casero; “Viva la Patria” un programa de Sebastian Borestein; “Soufle de Moria”con Moria Casan y “Hetitor está en Vivo” conducido por Hector Larrea.

Trabajando en el Circo propio ha recorrido muchos lugares de la Argentina e incluso en 1959 y 1960 trabajó en todo Uruguay. Aquí ha recorrido muchas localidades de la provincia de Buenos Aires. También lo han llevado a trabajar a la provincia de Mendoza, al Alto Valle de Rio Negro, a las ciudades de Rawson, Pto. Madryn y Gaiman en la provincia de Chubut, y a la provincia de Santa Fe.

En San Clemente del Tuyú han trabajado todos los veranos desde 1971 hasta la fecha, con las únicas excepciones de 1974 y 1975 realizando la temporada veraniega en Santa Teresita y la temporada de verano del año 1979 que la realizaron en Mar del Plata.

Luego se sumaron al programa "Hola Julieta" (Canal 9, entre 1982-83), que conducía Julieta Magaña.

Posteriormente, sólo tuvieron algo de continuidad en el programa de Tato Bores "Good Show", y luego aparecieron esporádicamente en ciclos como "Fair Play" (Telefé, con Fernando Bravo; "360" (Canal 13, con Julián Weich); "Decime cuál es tu nombre", (Telefé, con Pablo Codevila) y algunos envíos en "Cha Cha Cha" con Alfredo Casero, entre otros.

Sin embargo, junto al circo propio que tenían "Firulete y Cañito" recorrieron gran parte del país, aunque en los últimos años se dedicaron a actuaciones en recintos más pequeños y algunos teatros, siempre divirtiendo a los niños.

Firulete nos dejo el dia 26 de julio del 2004 a los 81 años.

Cañito , sigue vivo , vive en Saveedra y es abuelo .

El Libro Gordo de Petete

2010-03-25T06:40:00.000-03:00

"El Libro Gordo de Petete" fue una serie argentina que se emitió, con gran éxito, en Venezuela, Colombia, España y la propia Argentina, entre los setenta y principios de los ochenta.

El muñeco protagonista fue creado por el almeriense Manuel García Ferré (aunque emigró pronto a Argentina, donde dio vida a Petete).

"Petete" es un pequeño pingüino proveniente de la Antártida, de color marrón claro, con la cara y el abdomen amarillos, un gorro de lana con pompón encima y un chupete colgando del cuello.
A propósito de este chupete, en el habla coloquial argentina "chupón", se dice "pete"; añadiendo una sílaba más, "te"...ya tenemos el nombre de nuestro personaje: "Petete".
En España, "Petete" tenía la voz de la actriz María del Carmen Goñi.

"Petete" aparecía junto a una dulce y sonriente presentadora (la modelo y actriz Gachi Ferrari) y nos contaban el porqué de las cosas, tal y como si fuera una enciclopedia.
Además, mostraba infomación audivisual que ilustraba ese cada uno de los temas.

Su duración era breve, ya que oscilaba entre 1 y 2 minutos.

"El Libro gordo de Petete" llegó a tener cierta popularidad por lo que se aprovecho para sacar varios productos con su nombre: como cromos, muñecos y una colección de fascículos coleccionables con cada una de las lecciones del sabelotodo pingüino. Para muchos, "el libro gordo de Petete" fue su primera enciclopedia ilustrada.

Lo más recordado del programa era la frase con la que se despedían "Petete" y la presentadora:

"El libro gordo te enseña,

el libro gordo entretiene,

y yo te digo contenta,

hasta la clase que viene."

LAS MANOS MÁGICAS

2010-03-06T06:26:00.001-03:00

Varias generaciones crecimos mirando por T.V. un microprograma denominado "LAS MANOS MÁGICAS".El mismo consistía en la demostración y posterior explicación de un truco, generalmente con elementos cotidianos como cartas, monedas, pañuelos, billetes, sogas, etc. Lo que a simple vista parecía fácil, no era tan así cuando queríamos intentarlo en nuestras casas.

Se realizaron 130 cortometrajes de las Manos Mágicas, de aproximadamente tres minutos de duración; filmados en 16 mm y en color. En EEUU, el programa se comercializó muy bien a 44 canales, ya que originalmente en el medio del tape existía un minuto de comerciales

Si bien las manos pertenecían a Behnke, el narrador era George Mather.

A nuestro país llegó en 1967, y se lo vio por primera vez en el programa conducido por Canela: "La Hora de los Pibes" (Sábados de 10:00 a 12:00 Hs.) por Canal 13. Durante tres temporadas se mantuvo en este ciclo provocando un revuelo en la comunidad mágica que se quejaban de la enseñanza de los trucos. Entre muchos de los efectos enseñados se encontraron: Control de un naipe; Doble lift, y demás juegos con monedas.

Por los años ´70 alternó en cual ciclo infantil existiera en el canal de Goar Mestre: "Los Sábados de Calculín" (1970), "El Zapato Roto" (1971) y "El Show de los Tres Chiflados" (Lunes a Viernes de 11:30 a 12:30 Hs.). Éste último quizás sea el mas recordado, ya que se exhibía junto a los tapes del Circo Francés, y los dibujitos animados: Laurel & Hardy, Simbad Jrs., Los Imposibles, Birdman y el Lagarto Juancho

Ya en los ´80 se lo pudo ver en los ciclos de: Carozo, Narizota y el Prof. Gabinete; Elvira Romei y Marcelo Marcote; y en " La Mañana de los Chicos" con la conducción del ¨Pato¨Carret. Y en los noventa recordamos la famosa parodia en "Peor es Nada" de Jorge Guinzburg.

Si quieren saber que es de la vida del mago que filmó el programa, diremos que hoy en día es la "Mano" derecha del popular David Copperfield, en la clasificación de su biblioteca privada.

Cerraba el micro las dos manitos en la posición famosa que recorrió todo el mundo, mientras escuchábamos:"Las Manos Mágicas le dirán la forma de aprender, bonitos trucos que de magia son... el resto depende de Usted..."

HOMENAJE AL NEGRO OLMEDO A 22 AÑOS DE SU GIRA ETERNA

2010-03-06T06:25:00.000-03:00

Nació en el humilde barrio Pichincha de la ciudad de Rosario, antiguamente la "zona roja" de esa ciudad, con prostíbulos y bares de mala muerte. Vivió con su madre, Matilde Olmedo, en la calle Tucumán 2765. A los seis años, además de concurrir a la Escuela n.º 78 Juan F. Seguí, trabajó en la verdulería y carnicería de José Becaccece, en la calle Salta 3111.

En 1947, por intermedio de Salvador Chita Naón se integra a la claque del teatro La Comedia. Al año siguiente, con su amigo Osvaldo Martínez se incorpora al Primer Conjunto de Gimnasia Plástica en el Club Atlético Newell's Old Boys de Rosario. Por esa época también participa en una agrupación artística vocacional que funciona en el Centro Asturiano: La Troupe Juvenil Asturiana. En 1951, como parte de los números de La Troupe, forma (junto a Antonio Ruiz Viñas) el dúo Toño-Olmedo. Ya profesionales, la pareja actúa en varios espectáculos, entre ellos Gitanerías, dirigido por Juanito Belmonte. Para fin de 1954 decide viajar a Buenos Aires para probar suerte.

En mayo de 1955, ingresa como switcher al Canal 7 Argentina —que estaba en Ayacucho y Posadas, en la ciudad de Buenos Aires, por la referencia de su amigo Pancho Guerrero, conocido en Rosario. En la cena de fin de año en la que se reúnen las autoridades y el personal del canal, Olmedo realiza una formidable improvisación y Julio Bringuer Ayala, interventor de la emisora, le ofrece trabajar como actor. Una semana después de la cena debuta en La Troupe de TV, programa dirigido por Pancho Guerrero, en el que trabajan María Esther Gamas, Noemí Laserre, Tincho Zabala y Rodolfo Crespi, entre otros. Comienza a hacer monólogos y pequeños sketchs en La revista de Jean Cartier, donde surge «El profesor de locutores». Al mismo tiempo participa en Medianoche en Buenos Aires y en Sonrisas y melodías.

En 1957, el productor Julio Moller le ofrece protagonizar un ciclo infantil los sábados al mediodía y nace Joe Bazooka. El programa dura tres años, pero Olmedo no deja de trabajar como técnico.
El 12 de marzo de 1958 se casa con Judith Jaroslavsky y el 3 de diciembre de 1958 nace su primer hijo, Fernando.

El 20 de agosto de 1959 se estrena la película Gringalet, de Rubén W. Cavallotti, en la que debuta como actor cinematográfico interpretando un papel secundario.

En 1960 comienza en Canal 9 El Capitán Piluso, su primer gran éxito, ciclo que dura poco más de tres años en esa emisora. En 1965 el programa se emite durante un año en Canal 7 y a partir de 1967 se presenta dos años en el Canal 2 de La Plata.

El 19 de marzo de 1962 nace Marcelo, su segundo hijo.

A fines de marzo de 1964 ingresa al elenco de Operación ja ja, un programa de Gerardo y Hugo Sofovich en Canal 11. Ese mismo día, debutan Javier Portales y María Rosa Fugazot.

El 26 de julio de 1964 nace su tercer hijo, Mariano. En octubre de 1964 Olmedo se separa de su primera esposa.
En enero de 1965 comienza el programa Un verano con Olmedo, donde vuelve a ser protagonista de un ciclo, con la dirección de Gerardo y Hugo Sofovich.
El 23 de septiembre de 1967 se casa con Tita Russ. El 28 de julio del año siguiente nace Javier, su cuarto hijo.

En Operación jajá nacen los personajes Rucucu y el Yéneral Gonzáles. Al mismo tiempo Olmedo se presenta esporádicamente en otro ciclo de los Sofovich: Vivir es una comedia, también emitido por Canal 11.

Para 1969 participa en El botón, por Canal 9, y además presenta Domingos de teatro porteño, realizando algunas actuaciones especiales en Domingos de mi ciudad.

En enero de 1970 conduce el programa El Test de las familias que se emite por Canal 9. El 14 de enero nace su única hija, Sabrina.

El 3 de diciembre regresa a Canal 11 con Las 36 horas de Olmedo, una emisión a beneficio de la Casa Cuna y del Hospital Argerich, dónde bate el récord de permanencia en cámara.

En 1972 comienzan los ciclos El chupete, con libros de Juan Carlos Mesa y Jorge Basurto, y Fresco y Batata (con referencia al queso fresco y el dulce de batata), junto a Jorge Porcel, ambos en Canal 13. Protagoniza junto a Susana Brunetti la comedia musical Promesas, promesas, en el teatro Odeón.

El 22 de marzo de 1973 se estrena Los caballeros de la cama redonda, la primera de las películas filmadas para el sello Aries, con dirección de Gerardo Sofovich.

En 1974 protagoniza Alberto Vilar, el indomable, con libro de Víctor Sueiro, en Canal 13.

Al año siguinte debuta en el teatro de revistas, en el Teatro Maipo, junto a José Marrone. En el mismo teatro se presenta en su primera revista con Jorge Porcel, dirigida por Gerardo Sofovich.

El 4 de mayo de 1976, en el primer programa del año de El Chupete, se anuncia la «desaparición física» de Olmedo y una semana después, como consecuencia de la broma (con referencia a los asesinatos que estaba cometiendo los militares en el poder), le levantan el ciclo. A raíz de este incidente es «borrado» de la televisión por dos años.

En 1978 vuelve al frente del ciclo Olmedo ’78 por Canal 11.

En 1980 protagoniza junto a Susana Giménez el ciclo Alberto y Susana, junto a Susana Giménez, en el Canal 13, con libros de Hugo Moser, Víctor Sueiro y Humberto Ortiz. El 19 de junio se estrena A los cirujanos se les va la mano, primera película del cuarteto Alberto Olmedo - Susana Giménez, Jorge Porcel, Moria Casán, dirigida por Hugo Sofovich.

Al año siguiente comienza el programa No toca botón en Canal 11. Junto a Porcel, Giménez y Casán presenta La revista de las superestrellas en el Teatro Metropolitan, dirigida por Hugo Sofovich. En julio se separa de Tita Russ.
Para 1982, el mismo equipo se presenta con Seguimos rompiendo las olas en la temporada teatral de Mar del Plata.
En el programa No Toca Botón de 1983, nacen dos personajes exitosos: Lucy y El Nene. En este último Olmedo comienza a hacer sus famosos «chivos» al aire (publicidades dentro de los sketches).

En 1984 nace el personaje «Chiquito Reyes, doble de riesgo», en No toca botón.

Durante la temporada ´85 en Mar del Plata, protagoniza la comedia El bicho tuvo la culpa, dirigida por Hugo Sofovich. Este año comienza el ciclo de No toca botón con la quema del disfraz de Rucucu. Nacen El Dictador de Costa Pobre, El Pitufo, El Psicoanalista y el nuevo Chiquito Reyes, esta vez como un marido cornudo.

En el verano austral de 1986 presenta El bicho tuvo la culpa en Villa Carlos Paz. Este es el año de «El manosanta», «Álvarez y Borges» y «El mucamo Perkins». Comienza la Fiebre Olmedo. En septiembre inicia un ciclo de presentaciones en el restaurante Michelángelo, junto a Javier Portales, Beatriz Salomón, Divina Gloria y Alfonso Pícaro; además del cantante Guillermo Guido y los grupos Botton Tap y Caviar. El 18 de diciembre debuta con la obra El Negro no puede en el teatro Neptuno de Mar del Plata.

Durante el verano austral de 1987, la obra bate el record histórico de asistencia de público a la sala, con 119.877 espectadores. Ese año gana el premio Estrella de Mar. El programa No toca botón pasa a Canal 9 y nace el personaje «Rogelio Roldán, jefe de cadetes».

A comienzos de 1988 protagoniza en Mar del Plata la obra Éramos tan pobres, dirigida por Hugo Sofovich. El 3 de marzo se estrena su película póstuma, Atracción peculiar.

Filmografia:

* Gringalet (1959).
* Una jaula no tiene secretos (1962)
* Barcos de papel (1963)
* Las aventuras del Capitán Piluso (1963)
* La herencia (1964)
* Ritmo nuevo, vieja ola (1964)
* Dos quijotes sobre ruedas (1964)
* Viaje de una noche de verano (1965)
* Hotel alojamiento (1966)
* El glotón (inconclusa, 1967)
* Escándalo en la familia (1967)
* Flor de piolas (1967)
* Villa Cariño está que arde (1968)
* Los debutantes en el amor (1969)
* El hombre del año (1970)
* Los caballeros de la cama redonda (1973)
* Los doctores las prefieren desnudas (1973)
* Hay que romper la rutina (1974)
* Mi novia el... (1975)
* Maridos en vacaciones (1975)
* Los hombres sólo piensan en eso (1976)
* Basta de mujeres (1977)
* Las turistas quieren guerra (1977)
* Fotógrafo de señoras (1978)
* Mi mujer no es mi señora (1978)
* Encuentros muy cercanos con señoras de cualquier tipo (1978)
* Custodio de señoras (1979)
* Expertos en pinchazos (1979)
* El rey de los exhortos (1979)
* Departamento compartido (1980)
* Así no hay cama que aguante (1980)
* A los cirujanos se les va la mano (1980)
* Las mujeres son cosa de guapos (1981)
* Amante para dos (1981)
* Los fierecillos indomables (1982)
* Los fierecillos se divierten (1983)
* Los extraterrestres (1983)
* Los reyes del sablazo (1984)
* Sálvese quien pueda (1984)
* Mirame la palomita (1985)
* Los colimbas se divierten (1986)
* Los colimbas al ataque (1987)
* Rambito y Rambón, primera misión (1987)
* Susana quiere, el Negro también! (1987)
* El Manosanta está cargado (1987)
* Galería del terror (1987)
* Atracción peculiar (1988)

Programas de television:

* El Capitan Piluso
* Operación Ja Ja / La Peluquería de Fidel
* Fresco y Batata
* El Botón
* Alberto y Susana
* No Toca Botón
* Un Verano Con Olmedo
* El Test De Las Familias

Falleció el 5 de marzo de 1988 en la ciudad balnearia de Mar del Plata (en la provincia de Buenos Aires), tras caer involuntariamente del balcón de su departamento en el piso 11º, luego de una noche de juerga y excesos. Su compañera Nancy Herrera fue testigo de la desgraciada maniobra. Está sepultado en el Cementerio de la Chacarita.

EL ITALPARK - LA MAGIA Y EL ENCANTO DE LOS JUEGOS MECANICOS

2010-02-27T07:50:00.000-03:00

El Italpark fue un enorme parque de diversiones ubicado en pleno barrio de Recoleta, donde se juntan las avenidas Libertador y Callao (hoy ese terreno lo ocupa el Parque Thays).

Fue fundado en 1960 por los hermanos Adelino y LuisZanon (italianos, de ahí su nombre) y no hay porteño mayor de 30 añosque no lo haya visitado por lo menos una vez.

En la década del ´80, el Italpark llegó a ser el parque de diversiones más grande de Sudamérica, con 4500 m² y 35 juegos mecánicos. Imposible olvidar, entre otros, al samba (foto), el pulpo(foto), la montaña rusa, el laberinto del terror, el tren fantasma, elbarco, las tazas, los autitos chocadores, el súper 8 volante y el Matter Horn.
En este juego se produjo la tragedia que cerraría definitivamente el parque. Fue en 1990, cuando murió Roxana CeliaAlaimo, de 15 años. Porque si bien el parque tenía cierta magia para los que éramos chicos en aquel entonces, la realidad era otra. La negligencia y el casi nulo mantenimiento no era ningún juego. La diversión, por lo menos en aquel lugar, se terminó con aquel accidente.

Desventuras de Larguirucho - Historia de la Revista

2010-02-13T08:49:00.000-03:00

Comenzó a salir en 1969. Para su lanzamiento como figura central, el ex villano se rodeó de numerosos personajes secundarios, entre los que sobresalía Raimundo, un niño huérfano y travieso, a quien Larguirucho casi termina adoptando. Esta revista, al igual que la del superhéroe, también fue cancelada en 1981. Luego, Hijitus volvió en 1982, en pequeñas historietas dentro de la revista Petete y para 1983 comenzó a salir otra vez su revista, la cual publicaba sus viejas aventuras en forma quincenal, aunque solo se editaron treinta números.

En el 81, septiembre , empezó a salir en otro formato más parecido al de la Condorito. Con chistes gráficos y chicas con buenas curvas, al estilo Divito, que permitía chistes de doble sentido. Así salió hasta el 86.

Mil Intentos y un Invento (1972) (ESTRENO)

2010-02-13T08:44:00.000-03:00

Escrita y dirigida por Manuel García Ferré

Dibujantes: Néstor Córdoba; Natalio Zirulnik; Horacio Colombo; Carlos Pérez Agüero; Jorge Benedetti y Alberto Grisolía

Fotografía: Osvaldo Domínguez

Música: Néstor D'Alessandro y Roberto Lar

Voces: Marion Tiffemberg, Pedro Anibal Mansilla, Ivan Grey, Pedro “Pelusa” Suero

Sinopsis: Anteojito se ve seducido por su tío inventor e intenta crear una particular fórmula: la de la invisibilidad.

EL INCREIBLE HULK(1977)

2010-02-13T08:34:00.000-03:00

he Incredible Hulk (El Increíble Hulk en España, Argentina y México, y el Hombre Increíble en el resto de Hispanoamérica), fue una serie de televisión estadounidense, que duró cinco temporadas (1977-1982), con el reconocido actor Bill Bixby como el Dr. David/Bruce Banner y Lou Ferrigno como Hulk. El concepto fue desarrollado por Kenneth Johnson.

Pre-producción y desarrollo

A principios de 1977, el gerente de Universal Television Frank Price ofreció al guionista Kenneth Johnson un contrato para crear una serie de televisión basada en cualquiera de los personajes de las tiras cómicas las cuales él acaba de comprar derechos. Johnson inicialmente rechazó la oferta pero, tras haber leído Los Miserables, él cambió de opinión y tomó la iniciativa para adaptar el Hulk. Primero, Johnson cambió el anombre como David Bruce Banner (su primer nombre era Robert en los cómics). El cambio, según Johnson, se usaron para que la serie no se viera como una serie de cómics, y la mayoría de los nombres de varios personajes de los cómics también se cambiaron. En el comentario de la DVD hablando sobre el píloto, Johnson agregó el nombre como tributo a su fallecido hijo. Stan Lee, por lo tanto, demuestra que cambiaron el nombre del personaje principal porque, el nombre de Bruce Banner sonaba, para el estudio, como un personaje homosexual, y el nombre David como su primer nombre sonaba más neutral. También tuvo que omitir varios personajes importantes del cómic (Betty Ross, Rick Jones, Thunderbolt Ross, Doctor Samson y Glenn Talbot). En vez de que el doctor sea expuesto a la radiación de gamma gracias a una explosión atómica, Banner tiene una sobredosis accidental de la misma pero en su propio laboratorio, para crear un grado de realismo; en vez de ser visto como investigador de energía nuclear, el personaje es un médico. Y la gran mayoría de los elementos de fantasía de los cómics fueron omitidas, con la excepción de la transformación del personaje.

Casting

Para el papel de David Bruce Banner, la cadena consideró a Larry Hagman, de fama de I Dream of Jeannie como el más probable para ganar el papel, pero éste resultó estar ocupado; Johnson, por lo tanto, consideró al actor veterano Bill Bixby para el papel tras haberlo visto audicionando por el papel. Inicialmente Bixby no quería hacerlo; pero tras revisando el guión, él cambia de opinión. Jack Colvin fue contratado por el papel de Jack McGee, un periodista quien investiga tanto a Banner como a Hulk, sin darse cuenta de que los dos son la misma persona; su personaje está basado en Javert de Los Miserables. Pero el reto principal fue buscar un actor para interpretar el Hulk. Arnold Schwarzenegger y Lou Ferrigno audicionaron, pero fueron rechazados por su estatura. El papel fue inicialmente ofrecido por Richard Kiel, quien aceptó el papel pero, dentro de unas días de filmación, fue despedido debido a que no cumplía el físico del personaje. El fisicoculturista Lou Ferrigno, es ofrecido el papel, y lo aceptó.

Premisa

Los orígenes del personaje difieren mucho de los cómics. David Bruce Banner es un científico traumatizado por la muerte de su esposa en un accidente automovilístico y, con ello, una culpabilidad de no haber hecho lo suficiente para salvarla de las ruinas. Se interesa en descubrir el fenómeno de como los seres humanos tienen episodios breves de fuerza sobrenatural durante periodos muy difíciles, para ver si Banner puede salvar a personas cercanas de un destino trágico. En poco tiempo, concluye que una dosis fuerte de radiación de gamma como causa de manchas solares. Para comprobar su teoría, él intenta bombardearse, con la ayuda de equipo tecnológico, de radiación de gamma para ver si le ofrece, de forma temporal, fuerza sobrehumana.

Sin embargo, Banner no estaba consciente de que el equipo se acaba de actualizar, así que recibió una dosis mucho mayor de lo que él esperaba (2 millones de unidades en lugar de las deseadas 300.000). Una noche lluviosa, se poncha una de las llantas del carro. Mientras el intenta de cambiar la llanta ponchada, se lastima y grita. Tal ira y angustia le resulta en una metamorfosis el cual inicia con el cambio de color de sus ojos a unos verduzcos, mientras que su piel cambia a color verde y también aumenta considerablemente su masa muscular. En una rabia, El Hulk empuja al carro fuera de la autopista, y corre por todas partes. Se topa con una niña quien anda pescando; intentando de ayudarla, ella huye y delata a su padre. El padre dispara al Hulk, y cae en el lago, solo para regresar a la superficie. En poco tiempo, se transforma de vuelta a David Banner, quien, irónicamente, es deshidratado y no tiene ningún recuerdo de lo que pasó ni de lo que hizo como Hulk.

Dándose cuenta de lo que el experimento le hizo a él, el busca a su compañera de trabajo Elaina Marks, quien es la única persona consciente del alterego de Banner. Tras unos experimentos, descubre que la criatura es motivada por una ira y por estrés fuerte. Sin embargo, sus intentos de revertir el proceso son interrumpidos por el reportero Jack McGee, quien anda investigando y siguiendo a Banner. Tiempo después, un accidente destruye el laboratorio y Banner, transformado como el Hulk, saca a Elaina Marks, quien es herida por la explosión, fuera de las instalaciones, pero ella fallece momentos después. El reportero concluye que el Hulk supuestamente mató tanto a ella como a David Banner. David Banner visita su propia tumba y de la de Elaina, y viaja de ciudad a ciudad, buscando como curar su rabia interna. Desde ahí entonces, inicia la serie en el cual Banner viaja de ciudad en ciudad, buscando una forma de domar el espíritu salvaje que se encuentra en sí.

LA FAMILIA DEL TOPO

2010-01-20T21:06:00.001-03:00

LOS PAYASOS DE LA TELE

2010-01-20T21:05:00.002-03:00

EL FABULOSO MAGO CHAN

2010-01-20T21:04:00.000-03:00

HIPERHUMOR - EL HUMOR URUGUAYO EN ARGENTINA

2009-12-09T21:22:00.000-03:00

Hiperhumor fue sin dudas uno de los programas cómicos más recordados de la televisión argentina de la década del ‘80. Con el inolvidable grupo de uruguayos encabezados por Ricardo Espalter, Eduardo D`Angelo, Juilio Frade, Enrique Almada, Andrés Redondo y Berugo Carámbula, no había manera de no reírse. En 2006, la productora Filmic puso en pantalla un homenaje de cuatro capítulos titulado: Uruguayos: la despedida, que resultó la última aparición televisiva de Espalter. Aquí uno de los sketches de ese especial: “La farmacia de Don Cristóbal”, con la participación de Carlitos Bala.

NACE EL PACMAN - 1980

2009-12-09T21:15:00.000-03:00

Creado por el diseñador de videojuegos Toru Iwatani, de la empresa Namco, y distribuido por Midway Games, en los Estados Unidos se lanza este inquieto muñequito que corre por un laberinto en busca de frutas y escapando de cuatro fantasmas de colores. El juego, que despertó el fanatismo de millones de personas en todas partes del mundo, no solo se conviritió en un éxito, sino que también marcó el comienzo de una nueva era en los videojuegos.

DON ADAMS

2009-12-09T21:08:00.001-03:00

Don Adams fue el actor que le dio vida al Superagente 86 y por el cual será recordado eternamente. Por ese papel ganó tres premios Emmy consecutivos. En los ’90 volvió a tutearse con el éxito al ponerle voz al personaje animado del Inspector Gadget. Murió el 26 de septiembre de 2005 a los 82 años.

Sin dudas que Don Adams será uno de los actores cómicos más recordados de la historia. Su personaje de Maxwell Smart, El Superagente 86 recorrió el mundo y aún hoy, 41 años después del comienzo de la serie, sigue causando la misma gracia que en aquel entonces. Pero más allá de esta exitosa parodia sobre las películas de agentes secretos de aquella época, es poco lo que se sabe de este actor, fuera de lo que fue su personaje más importante. Aquí algunos datos:

Aunque algunas biografías sostienen que su año de nacimiento es 1926, Adams nació el 13 de abril de 1923. Su verdadero nombre era Donald James Yarmy. Se puso el que todos conocen como apellido artístico, el cual adoptó de su primera esposa, Adelaide Adams. Un dato curioso, y que pocos saben, es que sirvió a la marina de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial.

Adams comenzó su carrera artística como monologuista de humor y su destino cambió cuando ganó un concurso de nuevos talentos en los años ’50, que le abrió las puertas al mundo de la televisión.

Su primer trabajo importante se lo dio su viejo amigo Bill Dana, con un rol en The Bill Dana Show, donde hacía de un detective muy parecido al personaje que unos años después lo haría famoso.

El papel de Maxwel Smart, que interpretó durante cinco temporadas, le llegó en 1965 y fue su primer protagónico y el que lo llevó a ganar tres premios Emmy consecutivos como “Mejor comediante”.

Después del Superagente llegaron series de poca repercusión como The Partners en 1971, junto a su primo Robert Karvelas (Larabee en El Superagente...) y Supermercado 99 en 1985, que en la Argentina se pudo ver por el viejo canal de cable Júpiter.

En 1980 se volvió a calzar el zapatófono para la película La bomba que desnuda, de la que también fue el productor. En 1983 filmó Jimmy, The Kid con Gary Coleman, aquí titulada El Superagente 86 rescata a Arnold, y en 1989 hizo un telefilm titulado Otra vez, Smart. En 1995, Fox quiso repetir el éxito de los años ‘60 y relanzó Get Smart. En esta oportunidad Adams era el jefe de Control y la Agente 99, una congresista, pero el poco interés del público hizo que el programa se levantara luego de siete episodios.

Pasados los años de gloria, Adams se dedicó al mercado publicitario, donde no le fue nada mal. Dirigió comerciales y hasta llegó a ganar un Clío por un aviso que él mismo protagonizó.

Ya a principios de los ’90, su carrera volvió a tutearse con el éxito al darle vida , con su voz, al popular personaje animado de El Inspector Gadget. Luego de eso, ya en los últimos años de su vida, participó en distintas producciones animadas. Pero sin dudas, nunca logró despegarse del personaje que más satisfacciones le dio en su extensa carrera, cosa que lejos de molestarlo lo enorgullecía. En una de sus últimas entrevistas sostuvo que su única meta había sido la de “hacer reír al público” y vaya si lo logró, la serie todavía hoy se pasa en veintiún países.

Don Adams murió a causa de una infección pulmonar, el 26 de septiembre de 2005, a los 82 años en Los Angeles, pero su personaje, ese que lo hizo mundialmente conocido y querido, permanecerá vivo por siempre en el recuerdo de todos los que crecieron con las aventuras de ese delirante agente llamado Maxwell Smart.

UNA DE LAS CORTINAS RETRO USADAS PARA JUGAR EN EL PROGRAMA , EL SUPERAGENTE 86....

Glenn Miller - El dueño del swing

2009-12-09T21:02:00.001-03:00

Alabado por unos, muy criticado por otros, lo cierto es que Glenn Miller no pasó inadvertido por el mundo del jazz. Con temas como "Serenata a la luz de la luna" o "Chatanooga Choo-Choo", el trombonista y director impuso un estilo único y conquistó al público del planeta. En la cumbre de su carrera, decidió alistarse voluntariamente en el ejército estadounidense que estaba por entrar en la Segunda Guerra Mundial. Formó una banda para entretener a las tropas y persuadir al enemigo de abandonar la lucha. Su anticipada muerte conmovió a millones de personas. Las causas, aún son un misterio.

“Nuestra banda hace énfasis en la armonía. Ocho bronces nos dan un montón de flexibilidad para poner en uso partituras de ideas que hemos tenido en mente por mucho tiempo. Los años de estudios serios que he tenido con profesores reconocidos, finalmente están siendo retribuidos permitiéndome escribir arreglos empleando inusuales y ricas armonías, muchas de ellas jamás usadas antes en las bandas de baile”.

Así definía Glenn Miller a su banda y a ese sonido característico que tanto la distinguía, donde la figura del solista dejaba lugar a la ingeniería de la orquesta. Se sabe que muchos aficionados al jazz no compartían su manera de tocar por ser tan metódica y estructurada, pero así y todo, su música quizá sea una de las más reconocidas y bailadas del planeta. De hecho, Serenata a la luz de la luna (Moonlight Serenade), es uno de los temas musicales más importantes y reproducidos en toda la historia de los Estados Unidos y el más representativo de Miller.

Una vida en pentagrama
Su nombre completo era Alton Glenn Miller y nació el 1 de marzo de 1904 en Clarinda, una pequeña localidad del estado de Iowa (Estados Unidos). Los años de la infancia los pasó en Nebraska y Oklahoma, hasta que su familia se instaló definitivamente en Colorado. Fue ahí cuando, con doce años, comenzó a estudiar el trombón para luego pasar a formar parte de la banda de su colegio.

En 1926 se unió a la big band del célebre baterista Ben Pollack, donde compartió el escenario con músicos como Benny Goodman – luego proclamado “rey del swing” - en clarinete, Jimmy McPartland en trompeta y Bud Freeman en saxo tenor.

Para 1935, la exitosa orquesta inglesa de Ray Noble resolvió ampliar su radio de acción en Norteamérica, pero por una ley del Sindicato Estadounidense de Músicos, Noble debía ceder la dirección de su conjunto a un profesional americano, por lo que eligió a Miller para tal función, quien durante dos años alternó la dirección de la muy eficiente orquesta británica con presentaciones en pequeños locales.

Luego de varios intentos fallidos, en 1937 el trombonista logró formar su propio conjunto y dos años después comenzaron a llegar los éxitos. Serenata a la luz de la luna, Little Brown Jug, In the Mood, Pennsylvania 65000, Chatanooga Choo-Choo, Patrulla americana y Kalamazoo, son sólo algunos de los títulos de sus grandes sucesos, que animaron las pistas de baile en momentos en que los Estados Unidos salía de la Gran Depresión y se sumía en la Segunda Guerra Mundial. Por ese entonces, la banda adquirió una popularidad importantísima gracias a sus actuaciones en radio, que eran emitidas de costa a costa y auspiciadas por la marca de cigarrillos Chesterfield.

Una muerte con misterio

Así como ocurrió con el legendario Elvis Presley, la muerte de Glenn Miller, que se produjo 33 años antes que la del “rey del rock”, también generó miles de fantasías y leyendas que lo suponían vivo.

En 1985 se descubrió en las afueras de la costa norte de Francia un Noserman, similar al que se subió Miller aquel tormentoso 15 de diciembre, sin embargo no pudo verificarse la existencia de restos humanos en su interior.

Algunas teorías afirman que la malograda avioneta se cruzó con unos bombarderos ingleses que habían abortado una misión y volvían a su base, pero para poder aterrizar debieron descargar sus bombas en el Canal de la Mancha y, según se especula, una de esas bombas habría dado en el avión de Miller, que volaba en dirección contraria y a menos altura. Sin embargo, otras versiones, no menos insistentes, apuntan a que el músico habría muerto en un burdel de París, apuñalado por una prostituta.

Pero existe una tercera teoría, la que aportó Herb Miller, hermano menor del músico. “Glenn no murió en un accidente aéreo, sino de cáncer pulmonar en un hospital”. Con esta sorprendente declaración, Herb rompió, en 1983, un silencio de casi cuarenta años. Según aseguró, su hermano abordó el famoso Norseman pero cuando el avión aterrizó fue llevado de inmediato a un hospital militar donde murió al día siguiente. Herb Miller había apoyado la historia acerca del accidente porque su hermano quería morir como héroe y no “en una simple cama”.

Como sea, su muerte es un secreto más que dejó la Segunda Guerra Mundial y que no hizo otra cosa que agigantar, como suele suceder en estos casos, la figura del talentoso artista, dueño de un estilo único.

EL TUNEL DEL TIEMPO (1966)

2009-10-06T23:59:00.003-03:00

dos científicos, el Doctor Tony Newman (James Darren) y el Doctor Doug Philips (Robert Colbert) trabajan en un proyecto secreto del gobierno norteamericano en un laboratorio subterráneo ubicado en la zona desértica de Arizona. Doug se introduce en el túnel para demostrar su eficacia y cae en el Titanic. Debido a que el túnel está en fase experimental, su compañero Tony se introduce en el mismo para rescatarlo. Así comienza esta fabulosa serie realizada por el creador y productor neoyorquino Irwin Allen, (1916-1991), realizador también de Viaje al Fondo del Mar, Perdidos en el Espacio y Tierra de Gigantes.

El primer capítulo se llama Rendezvous With Yesterday (”Cita con el Ayer”) en donde Tony y Doug intentarán, sin éxito, convencer al capitán del barco que el Titanic se hundirá esa misma noche. Es más, Tony llega con el diario del día siguiente pero el Capitán arroja el mismo por la borda, sin llegar a leerlo. Al finalizar dicho episodio, debido a un error técnico, los protagonistas caen en un cohete que los llevará… a la Luna (”One Way To The Moon” -”Un camino a la Luna”)

La serie era novedosa para la época, contaba con unos guiones excelentes en sus comienzos y un gancho importante: cada capítulo terminaba con el comienzo de la aventura siguiente.

Se criticó mucho al mencionado Allen. Se decía que sus series arrancaban de modo excelente, y que luego decaían de manera increíble. Hay algo para destacar en El Túnel del Tiempo. A mediados de la temporada, uno de sus guionistas le propuso a uno de los protagonistas escribirle diálogos más sustanciosos y éste se negó, exigiendo parlamentos breves. Además, mientras promediaba la serie, las imágenes recreativas no se filmaban, se compaginaban de algunas películas de la Fox. Esto, lógicamente, generó diversas críticas.

La serie se canceló, no hubo segunda temporada, fue reemplazada por un western que duró cuatro meses. Pese a posteriores intentos de hacer nuevas versiones, jamás tuvo un final cerrado. Mientras algunos sostienen que la intención era que Doug y Tony quedaran por siempre en el tiempo, la última imagen demuestra que la verdadera propuesta era de continuar. No se pudo jamás.

EL CLUB DE ANTEOJITO - 1983 (CANAL 9)

2009-10-06T23:49:00.005-03:00

1983. Canal 9. El Club de Anteojito y Antifaz...
Los conductores eran Gachi Ferrari y Berugo Carámbula. El programa era similar al Club de Anteojito y Antifaz de finales de los años sesenta, que se había emitido con mucho éxito. Como en aquel ciclo, los payasos no podían estar ausente, y Cañito y Firulete hacían lo suyo con un oficio que hoy en día se extraña.

Berugo Carámbula mostraba un feeling muy especial con los chicos, era como una especie de “tío o primo canchero” que hablaba en su mismo idioma. Otra faceta más para destacar del que luego fuera un excelente animador de programas de la década del ochenta. Por otro lado, Gachi venía de un conflicto con Fernando Bravo en el ciclo “A todo color”, y de comenzar la primera etapa de “Telejuegos” (luego continuaría Cecil Charré), ambos ciclos en ATC. Gachi era una cara muy habitual tanto en revistas como en la tele, había sido partenaire de Petete y participado de otros programas infantiles (el recordado Supershow Infantil, de 1979, junto al propio Berugo, Alberto Muney y Mónica Jouvet) y en El Club de Anteojito... se la veía como pez en el agua.

Pero, tal vez la sección más recordada, era la de La Maquinola. La Maquinola era un máquina computarizada que presentaba complejos engranajes y supuestamente una memoria con una capacidad de almacenamiento de datos que la convertía en un desafío para cualquier mortal. Luego de unos minutos, la Maquinola extraía una tarjeta con una pregunta complicadísima.

En ese 1983 heredaba el despliegue de aquella época conteniendo muchísimas secciones, por ejemplo, Los cuentos de Larguirucho, el Cartero Josecito que traía siempre una buena nueva, los micros de Fu - Fi (antes Chipi, hubo que cambiarle el nombre debido a un juicio que alguien de apellido Chipi le hizo a la Productora), los consejos de El Patriarca de los Pájaros, y por supuesto, se han llegado a ver tanto cortos de Hijitus como segmentos de la película Mil Intentos y un Invento, que tiene como personajes principales a Anteojito y Antifaz

El ciclo duró solamente un año. El Club de Anteojito y Antifaz, que había transitado con éxito en “El Nuevo Nueve”, no continuó en el Canal 9 Libertad que Alejandro Romay adquiriría unos meses después. La transición de un gobierno militar a uno democrático dejó tanto a algunos programas como a varios artistas desdibujados en el tiempo.

VAMOS A LA CAMA

2009-10-06T23:39:00.003-03:00

Quizá uno de los dibujos animados más entrañables, más queridos y recordados, para que los más pequeños nos fuésemos a la cama de la mano de Cleo, la mayor de “La família Telerín”, seguida del resto de sus hermanos: Teté, Maripí, pelusín, Colitas y Cuquín.

La pequeña obra de arte animada fue creada en 1964 por los hermanos José Luís y Santiago Moro en sus estudios de Madrid y nos dio las buenas noches durante los 60 y los 70.
Posteriormente la familia Telerín tuvo una aparición estelar en el largometraje animado “El mago de los sueños”, un film realizado en los estudios Macián de Barcelona y dirigido por Francisco Macián en 1966.
gozó de gran éxito internacional, pero sobretodo por parte del público hispanoamericano.